Biografi Freddy Cole

Biografi Freddy Cole – Pecinta musik jazz pasti kenal Freddy Cole. Nama asli Freddy adalah Lionel Fredericka Cole. Di Amerika Freddy ini menjadi sosok yang sangat terkenal. Dirinya dikenal dari karya yang dibuatnya. Freddy lahir pada 15 Oktober 1931. Dirinya berkarya di bidang musik jazz. Selain merupakan penyanyi dirinya juga merupakan seorang pemain pianis jazz. Freddy Cole dilahirkan dari pasangan Edward dan Paulina Cole. Dirinya juga tumbuh bersama saudara kandungnya yakni Eddie, Ike, dan juga ada King Cole. Saudara dari Freddy ini juga ikut terjun ke dunia musik. Berasal dari keluarga yang rata – rata pemain musik membuat Cole sangat mudah untuk meraih berbagai penghargaan atas karya yang telah ia buat.

Mimpi seorang Freddy Cole pada awalnya ingin menjadi seorang pemain sepak bola. Freddy memang sangat menyukai permainan sepak bola sehingga dirinya sering mengikuti berbagai event pertandingan sepak bola yang diadakan oleh agen judi bola diwaktu itu. Sejak awal dirinya memang tidak mempunyai mimpi untuk menjadi seorang penyanyi maupun pemain pianis. Keinginan dirinya untuk mulai merambah dunia musik jazz itu dimulai ketika ada sebuah insiden. Dirinya selalu mengikuti permainan sepak bola kapan saja ia inginkan. Hingga pada suatu saat dirinya mengalami sebuah kejadian cidera yang cukup serius ketika bermain bola. Hal tersebut lantas membuat Freddy menjadi tidak tertarik di dunia sepak bola. Pada akhirnya dia memilih untuk melanjutkan sekolahnya di sekolah Musik Juliard. Setelah dirinya menekuni dunia musik tersebut dirinya semakin mampu mengembangkan dirinya hingga menjadi seorang penyanyi dan pemain pianis yang sangat terkenal.

Walaupun mimpinya bukan menjadi seorang penyanyi dan pemain pianis, namun kesenangan Freddy memainkan pianis ini sudah dimilikinya sejak kecil. Sejak usia enam tahun Freddy susah suka memainkan pianis hingga sekarang dirinya menjadi seorang pemain pianis jazz yang sangat terkenal. Perjalanan karir yang dilalui Freddy Cole cukup panjang. Setelah ia menyelesaikan sekolahnya dan bertemu dengan beberapa teman lsinnya akhirnya Cole melakukan sebuah rekaman untuk beberapa albumnya. Rekaman album milik Cole ini untuk sebuah label Eropa dan Inggris.

Karir Freddy Cole ini sudah membentang cukup lama di dunia musik jazz. Yakni selama lima puluh tahun lamanya dirinya telah berkarya. Sudah banyak karya yang dimiliki oleh Freddy Cole yang hingga saat ini telah memenangkan beberapa penghargaan. Beberapa karya yang dimiliki Freddy Cole juga mampu meraih Cakram Emas yang ada di Brasil. Tidak hanya itu saja masih ada banyak penghargaan – penghargaan lainnya yang dimiliki oleh Freddy Cole. Satu lagi oleh Freddy Cole juga masuk dalam nominasi Grammy Best Jazz Vocal Album Award. Tentu saja hal ini membuktikan bahwa lagu yang dimiliki Freddy merupakan lagu yang sangat populer.

Penampilan Freddy Cole Festival Jazz Chicago
Berita

Penampilan Freddy Cole Festival Jazz Chicago

Penampilan Freddy Cole Festival Jazz Chicago, Saat Anda hampir berusia 88 tahun dan bermain piano di kursi roda, dibutuhkan keberanian untuk menampilkan sebuah pertunjukan. Namun, itulah yang dilakukan penyanyi-pianis pemberani Freddy Cole dengan bakatnya pada Kamis malam di Pritzker Pavilion di Millennium Park, yang membuat Festival Jazz Chicago tahunan ke-41 menjadi meriah. Meskipun festival secara resmi dimulai akhir pekan lalu dengan serangkaian Konser Lingkungan, Paviliun Pritzker dianggap sebagai acara utama, dengan kerumunan besar yang hadir pada Kamis malam – meskipun ada peringatan badai yang (untungnya) tidak pernah terwujud. Yang terjadi justru malam yang nyaman dalam pembuatan musik yang berakar pada sejarah jazz Chicago yang panjang dan indah. Cole, tentu saja, adalah adik dari legenda jazz Nat King Cole, yang meninggal pada 1965 pada usia 45 tahun. Jadi pertunjukan Freddy Cole merupakan penghormatan kepada saudara kandungnya yang lebih terkenal, yang merayakan seratus tahun dunia tahun ini.
Baca Juga : Seperti Freddy Cole, Pianis Jazz Dave Frishberg Juga Meninggal di Usia 88 Tahun
Tidak mengherankan, bagian yang paling berpengaruh dari set, yang menutup perayaan Kamis malam, adalah traversal dari beberapa hits Nat King Cole, masing-masing membangkitkan era lama dalam pop Amerika yang diwarnai jazz. Segera setelah Freddy Cole memulai alunan “Straighten Up and Fly Right,” desahan manis pengakuan menyapu penonton, saat pendengar mungkin menyimpulkan bahwa mereka akan mendengar penghormatan kepada seorang master jazz yang memulai karirnya di Chicago. Freddy Cole menyanyikan golden oldie dengan ciri khas kemudahan dan keanggunan, diiringi duet fashion oleh putranya Lionel Cole. Kombinasi dari suara reedy Freddy Cole dan bariton chesty Lionel Cole menghasilkan eufoni yang paling menarik, diiringi oleh pianisme keperakan Freddy Cole, karya gitar Randy Napoleon yang apik, dan backbeat yang melengking dari anggota band lainnya. Kemudian Freddy Cole beralih ke “Sweet Lorraine,” lagu klasik Nat King Cole lainnya, tampil di sini sebagai nocturne yang lembut dan indah dengan tempo swing medium-slow. Meskipun Cole yang lebih muda selalu berusaha untuk terdengar lebih seperti dirinya sendiri daripada orang lain, tidak sulit untuk mendeteksi gema dari suara beludru Nat King Cole dan ungkapan lagu pidato. Dan meskipun benar bahwa Freddy Cole telah memulai setnya dengan cara yang agak tidak bersuara, dia mendapatkan momentum dengan setiap lagunya, menunjukkan bobot vokal yang lebih besar di “Mona Lisa” dan kualitas bercerita di “Nature Boy” – keduanya diidentifikasikan secara universal dengan Nat King Cole. Pada saat Freddy Cole mengayunkan lagu “On the South Side of Chicago,” sebuah karya khas untuknya, dia telah sampai pada sesuatu yang hampir menangis penuh. Liriknya – merayakan era ketika South Side menghasilkan bintang-bintang jazz masa depan seperti Dinah Washington, Joe Williams, Johnny Hartman, Dorothy Donegan, dan banyak lagi – menarik respons riuh penonton. Dan ketika Cole menyanyikan baris penting dari lagu itu, “Saya masih bisa mendengar Von Freeman tua bertiup,” tidak ada keraguan bahwa Cole telah memberi Chicago satu malam untuk diingat. Malam Pritzker Pavilion dimulai dengan drummer-bandleader Chicago Mike Reed mempersembahkan “The City Was Yellow,” sebuah proyek yang merayakan komposisi yang ditulis di sini antara 1980 dan 2010 (dan didokumentasikan dalam buku yang baru diterbitkan dengan nama yang sama).
Baca Juga : Biografi Linsey Alexander Gitaris Blues Amerika
Harapan Reed bahwa karya-karya ini pada akhirnya dapat menjadi standar yang dipertunjukkan secara luas di klub-klub Chicago dan ruang konser mungkin sedikit idealis, mengingat kerumitan dan keistimewaan karya tersebut. Tetapi nilai mereka tidak salah lagi dalam pertunjukan oleh Reed dan pemeran instrumentalis virtuoso yang telah menulis banyak repertoar. Keahlian seruling menderu yang ditawarkan Nicole Mitchell dalam “Wheatgrass”, pemain saksofon tenor tenor magisterial Ari Brown diproduksi dalam “Rahsaan di Serengeti,” bagian paduan suara terompet cerdik dari “Selamat Pagi” bassis Matt Ulery dan karya ansambel yang ribut dalam “Nairobi Transit” karya Geof Bradfield menunjuk ke kedalaman panggung jazz Chicago masa lalu, sekarang dan, satu harapan, masa depan.
Seperti Freddy Cole, Pianis Jazz Dave Frishberg Juga Meninggal di Usia 88 Tahun
Berita

Seperti Freddy Cole, Pianis Jazz Dave Frishberg Juga Meninggal di Usia 88 Tahun

Seperti Freddy Cole, Pianis Jazz Dave Frishberg Juga Meninggal di Usia 88 Tahun – Seorang pianis jazz berbakat dan penyanyi dengan jangkauan terbatas tetapi suara yang khas, ia menulis sebagian besar untuk orang dewasa tetapi menjangkau audiens terbesarnya di “Schoolhouse Rock!”

Dave Frishberg , penulis lagu jazz yang kecerdasannya yang sinis sebagai penulis lirik dan kepandaian melodi sebagai komposer menempatkannya di eselon teratas keahliannya, meninggal pada hari Rabu di Portland, Ore. Dia berusia 88 tahun.

Istrinya, April Magnusson, membenarkan kematian tersebut.

Menurut freddycole.com Mr Frishberg, yang juga bermain piano dan bernyanyi, adalah anomali, jika bukan sebuah anakronisme, dalam musik populer Amerika: pianis jazz ulung yang berhasil melampaui era rock, soul, disko, punk dan hip-hop oleh menulis lagu-lagu hiper-melek yang mengingatkan kembali pada Hoagy Carmichael dan Johnny Mercer melalui Stephen Sondheim.

Kecerdasan penulisan lagunya ditujukan untuk orang dewasa, namun ia menjangkau audiens terluasnya dengan lagu-lagu pendek untuk anak-anak sebagai kontributor musik reguler untuk acara animasi Sabtu pagi ABC-TV yang sudah berjalan lama “Schoolhouse Rock!”

Hanya dengan menyadari Dave Frishberg dan lagu-lagunya sudah menyampaikan kecanggihan yang sudah diketahui. Dia mengolok-olok hipness ucapan selamat diri ini dalam liriknya untuk “I’m Hip,” klasik yang tidak mengerti apa-apa yang dia tulis untuk melodi oleh sesama penulis lagu jazz Bob Dorough :

See, I’m hip. I’m no square.
I’m alert, I’m awake, I’m aware.
I am always on the scene.
Making the rounds, digging the sounds.
I read People magazine.
‘Cuz I’m hip.

Lirik asli Mr Frishberg untuk “I’m Hip,” yang ditulis pada tahun 1966, adalah “Saya membaca majalah Playboy,” tetapi kemudian dia mengubahnya.

Majalah People tidak pernah memprofilkan dia (meskipun majalah itu mengulas secara singkat salah satu albumnya pada 1980-an). Tapi ceruknya di dunia penulisan lagu khusus kabaret, ketika jenis seperti itu masih ada, sangat tinggi. Penyanyi saloon yang luar biasa dikenal dengan lagu Frishberg yang mereka nyanyikan. Salah satu penyanyi itu adalah Blossom Dearie , yang membawakan lagu “Peel Me a Grape” , menurut pandangan Mr. Frishberg, definitif.

Namun, tidak ada yang benar-benar menyanyikan lagu Dave Frishberg seperti Dave Frishberg, dengan suaranya yang tipis, reedy, dan jangkauan vokal yang sangat terbatas. Penampilannya dalam menyanyikan lagu “My Attorney Bernie” tidak tertandingi, terutama nyanyiannya yang singkat pada bagian refrein lagu tersebut:

Bernie tells me what to do
Bernie lays it on the line
Bernie says we sue, we sue
Bernie says we sign, we sign.

Hadiah menulis lagu Mr Frishberg diperpanjang jauh melampaui tusukan satir. Dia menggubah beberapa balada yang indah, dan dia adalah seorang nostalgia yang anggun yang menulis dengan penuh kerinduan, meskipun juga secara sadar, tentang kabut waktu dan kehilangan. Ada Frishberg yang pahit dari “Do You Miss New York?,” Frishberg yang menyakitkan dari “Sweet Kentucky Ham” dan Frishberg yang fasih dari “Van Lingle Mungo,” gumpalan menyentuh balada yang dibangun hanya dari nama-nama yang dirangkai pemain bisbol liga utama lama.

Baca Juga : Ketenaran Legenda Jazz Freddy Cole

David Lee Frishberg lahir pada 23 Maret 1933, di St. Paul, Minn., anak bungsu dari empat bersaudara dari pasangan Harry dan Sarah (Cohen) Frishberg. Ayahnya, yang memiliki toko pakaian, adalah seorang emigran dari Polandia; ibunya adalah penduduk asli Minnesotan.

Dia mulai membuat sketsa atlet dari foto berita ketika dia berusia 7 tahun dan berharap untuk menjadi ilustrator olahraga, tetapi dia juga mendengarkan musik dengan cermat saat tumbuh dewasa dan dapat menyanyikan seluruh skor “The Mikado” dan operet Gilbert dan Sullivan lainnya. Saudaranya Mort, seorang pemain piano blues otodidak, mengarahkannya ke musik jazz dan blues, dan ke keyboard, di mana remaja Mr. Frishberg meniru gaya boogie-woogie Pete Johnson dan Meade Lux Lewis sebelum menemukan modernis. pianisme bebop.

“Musisi jazz sangat keren,” tulisnya dalam memoarnya, “My Dear Departed Past” (2017); “Mereka lucu, sensitif, klan, dan sepertinya mereka memiliki pacar terbaik.”

Setelah lulus dari St. Paul Central High School, Frishberg sempat kuliah sebentar di Stanford University sebelum kembali ke rumah untuk mendaftar di University of Minnesota. Meskipun dia sudah menjadi semireguler di kancah jazz lokal, keterampilan membaca penglihatannya terlalu buruk untuk gelar musik formal. Alih-alih, dia menggoda jurusan psikologi sebelum tertarik ke jurnalisme dan mengamankan gelarnya pada tahun 1955.

Dia menjabat dua tahun di Angkatan Udara sebagai perekrut, untuk memenuhi kewajiban ROTC-nya, dan kemudian, pada tahun 1957, dipekerjakan oleh stasiun radio New York WNEW untuk menulis skrip iklan dan materi lain untuk disc jockey dan penyiarnya. Dia dengan cepat meninggalkan WNEW untuk menulis salinan katalog untuk RCA Victor Records, lalu akhirnya keluar sebagai pianis solo yang bekerja dengan slot larut malam di kabaret Duplex di Greenwich Village.

Mr Frishberg menjadi sideman dalam permintaan di tempat-tempat jazz seperti Birdland dan Village Vanguard untuk tokoh-tokoh jazz, termasuk pemain saksofon Ben Webster, Al Cohn dan Zoot Sims dan drummer Gene Krupa. Dia juga menemani sederet penyanyi hebat, termasuk Carmen McRae, Anita O’Day dan, untuk satu malam yang memusingkan saat mendukung Ms. O’Day di Half Note, Judy Garland yang pemalu. Dia dengan gemetar duduk dan menyanyikan “Over the Rainbow,” lalu meminta Mr. Frishberg untuk menjadi direktur musiknya. Dia keberatan.

Frishberg mulai menulis lagu pada awal 1960-an — “semua jenis lagu,” seperti yang dia ingat dalam “My Dear Departed Past.” Ketika penyanyi Fran Jeffries bertanya apakah dia bisa menulis sedikit materi khusus untuknya, sesuatu yang dia bisa “menyelinap sambil bernyanyi,” dia menjawab dengan “Kupas Aku Anggur”:

Peel me a grape
Crush me some ice
Skin me a peach, save the fuzz for my pillow
Start me a smoke
Talk to me nice
You gotta wine me
And dine me.

Ditulis pada tahun 1962, “Peel Me a Grape” menjadi lagu pertama yang diterbitkan oleh Mr. Frishberg — meskipun perusahaan penerbitan yang mengakuisisinya, Frank Music, yang dimiliki oleh Frank Loesser yang terkenal, tidak banyak berbuat apa-apa. “Sejauh yang saya tahu, lagu itu adalah barang yang cukup rahasia,” tulis Frishberg kemudian, “sampai versi Blossom Dearie.” Namun, itu meluncurkannya sebagai penulis lagu.

“I’m Hip” diikuti pada tahun 1966, yang mengarah ke portofolio lagu yang membengkak. Demo yang dia potong untuk mengajari penyanyi lagu-lagunya mulai menggelitik telinga industri rekaman jazz picik. Akhirnya, Mr Frishberg pergi ke studio sendiri untuk merekam album yang terdiri dari komposisinya sendiri. Rekaman ini dirilis pada tahun 1970 pada label CTI yang baru dibentuk dengan judul “Oklahoma Toad.”

Dia pindah ke Los Angeles pada tahun 1971, seolah-olah untuk menulis materi untuk “The Funny Side,” sebuah variety show NBC baru yang dibintangi oleh Gene Kelly. Pertunjukan tersebut hanya berlangsung sembilan episode, tetapi bekerja sebagai musisi studio membuat Mr. Frishberg tetap bertahan. Dia juga mulai menampilkan lagu-lagunya di klub-klub lokal.

Mr. Dorough mengundangnya untuk berkontribusi pada “Schoolhouse Rock!” pada tahun 1975; Mr Dorough adalah direktur musik acara dan salah satu penulis. Kontribusi pertama Mr. Frishberg, di musim ketiga pertunjukan, adalah “I’m Just a Bill,” seorang swinger penjelas tentang proses legislatif yang dinyanyikan oleh pemain terompet jazz dan vokalis Jack Sheldon . Itu memberinya pujian yang tak terduga dan residu yang bertahan lama untuk apa yang kemudian dia akui dengan sedih sebagai “lagunya yang paling terkenal.”

Baca Juga : Biografi Linsey Alexander Gitaris Blues Amerika

“The Dave Frishberg Songbook, Volume No. 1” meraih nominasi Grammy Award 1982 untuk penampilan vokal jazz pria terbaik. Tahun berikutnya, “Buku Nyanyian Dave Frishberg, Volume No. 2” melakukan hal yang sama. Untuk mendukung album itu, Mr. Frishberg muncul di “The Tonight Show.” Dua album Frishberg lagi dinominasikan untuk Grammy, “Live at Vine Street” pada tahun 1985 dan “Can’t Take You Nowhere” pada tahun 1987.

Pernikahannya pada 1959 dengan Stella Giammasi berakhir dengan perceraian. Dia kemudian menikah dengan Cynthia Wagman.

Pada tahun 1986, Tuan Frishberg, istri dan putra mereka yang berusia satu tahun, Harry, pindah ke Portland, melarikan diri dari lalu lintas jalan bebas hambatan dan apa yang pernah dia sebut sebagai “lingkungan ganas” Los Angeles. Dia tinggal di Portland, kurang lebih dengan puas, selama sisa hidupnya, menghasilkan putra kedua, Max; perceraian untuk kedua kalinya; dan, pada tahun 2000, menikahi Ms. Magnusson. Selain dia, dia meninggalkan putra-putranya.

Di Portland, ia berkolaborasi secara teratur dengan vokalis Rebecca Kilgore. Namun, sesering tidak, Mr. Frishberg bersenang-senang bermain piano solo di bar hotel yang ramai. Ketika kesehatan yang buruk menimpanya di akhir hayatnya, dia tidak pernah berhenti menulis, seperti yang telah dia prediksi dengan tajam pada tahun 1981 dalam “My Swan Song”:

Once I popped them out like waffles
The good ones and the awfuls
A new one every day. But now
I find I’m uninspired, my wig’s no longer wired
I’ve nothing left to say. …
But I’ll say it anyway.

Ketenaran Legenda Jazz Freddy Cole
Biographi

Ketenaran Legenda Jazz Freddy Cole

Ketenaran Legenda Jazz Freddy Cole, Legenda jazz Freddy Cole, dilantik di Georgia Music Hall of Fame pada 2007, meninggal dunia pada usia 88 pada 27 Juni di Atlanta. Seorang headliner baru-baru ini di Festival Jazz Atlanta 2017, ia dihormati di kalangan jazz sebagai salah satu penghibur elit yang memikat penonton dengan kemampuannya yang unik untuk menceritakan sebuah cerita melalui musiknya. Sementara sebagian besar mungkin lebih akrab dengan saudara legendaris Nat “King” Cole, adik laki-laki Freddy – nominasi Grammy empat kali – membangun reputasi internasional berdasarkan penghargaannya sendiri.

Freddy Cole selalu membandingkan dengan saudaranya, dan berusaha untuk mengukir ruangnya sendiri. Tapi satu hal yang disepakati semua orang adalah bakatnya sebagai penyanyi dan pianis. The New York Times berkata, “Freddy memiliki rasa ayunan yang sempurna. . . secara keseluruhan, dia adalah penyanyi jazz pria yang paling ekspresif dan paling dewasa di generasinya, jika bukan yang terbaik yang masih hidup.

” Joe Bebco, editor asosiasi dari The Syncopated Times, menulis, “Dia mengembangkan hubungan dengan para pendengarnya, berbicara dengan suara yang lebih serak daripada suara saudaranya tetapi sama bersinar.” Dan NPR pernah berkata, “Pianis, komposer, dan vokalis Freddy Cole dapat mengambil lagu apa pun dan menghadirkan warna dan nuansa yang belum pernah terdengar sebelumnya.”

Baca Juga : Tenyata Mendengarkan Musik Jazz Mempunyai Banyak Manfaat

Meskipun Cole adalah penduduk asli Chicago (Lahir dengan nama Lionel Frederick Coles pada tanggal 15 Oktober 1931), ia menghabiskan lebih dari 48 tahun di Atlanta, tempat yang ia cintai seperti halnya kampung halamannya.

Saya berbicara dengan beberapa musisi yang mengenal dan bermain dengannya. Bernard Linnette pindah ke Atlanta pada akhir tahun 70-an dan memutuskan untuk mengejar karir dalam bermain drum jazz. Dia menemukan sebuah klub di Campbellton Road bernama 200 South, di mana orang-orang muda bisa mengasah keahlian mereka. Suatu hari Freddy Cole muncul dan menyukai apa yang didengarnya setelah mendengar Linnette mendemonstrasikan keahliannya menggunakan tongkat dan kuas. “Beberapa hari setelah itu, dia berkata, ‘Telepon saya.’ Freddy Cole adalah pertunjukan profesional pertama saya selama sekitar tujuh, delapan tahun berturut-turut.”

Di suatu tempat selama peregangan ini, Cole telah mengganti bassis, dan menggunakan Eddie (Wardell) Edwards. “Hilton Head baru saja dibuka pada tahun ’79,” kata Linnette, “dan kami biasanya pergi ke sana setiap tahun selama sekitar dua atau tiga bulan ketika saya berada di band dengan Eddie.”

Edwards kuliah di University of Tennessee di Chattanooga selama tahun-tahun saya berada di sana antara 1982-1985. Kami berdua belajar dengan Dr. London Branch, seorang bassis multi talenta, pemain terompet dan pianis. Eddie mengambil pelajaran membaca dengan Branch sambil melakukan perbaikan pada bass akustik di tokonya.

Rodney Jordan (bassis saat ini untuk Marcus Roberts dan profesor musik di Florida State University) juga ada di sana belajar dengan Branch, dan membeli bass akustik serius pertamanya dari Edwards, yang telah memperbaikinya dan meninggalkannya di rumah Cole setelah manggung beberapa bulan sebelumnya. sebuah perjalanan. Dia telah mengerjakan instrumen untuk artis rekaman Blue Note Layman Jackson – bassis untuk Freddy Cole sebelum Edwards bergabung. Jackson belum membayar tagihan untuk perbaikan dan bassnya masih ada di rumah Freddy. “Saya membeli bass pertama saya dari Eddie Edwards di tahun 80-an,” kata Jordan .. “Saya berkendara dari Jackson, Mississippi, untuk mengambilnya di rumah Freddy Cole di Atlanta, tempat saya bertemu dengannya untuk pertama kali. Dia baik hati dan memberi saya beberapa nasihat bagus. Freddy seperti paman jauh yang membuat Anda merasa seperti keluarga setiap kali Anda melihatnya bahkan jika Anda tidak melihatnya selama bertahun-tahun. “

Russell Malone – yang saat itu menjadi gitaris jazz pemula dari Albany yang kemudian tampil bersama Diana Krall dan Harry Connick Jr. dan sebagai artis solo – pindah ke Atlanta pada tahun 1984 dan bertemu Freddy Cole. “Saya baru saja tiba di kota,” katanya. “Ada banyak klub dan musisi yang sangat bagus saat itu, dan beberapa tempat untuk bermain.” Malone pertama kali bertemu Freddy di sebuah tempat bernama Claude di International Boulevard – Band Cole memiliki Jerry Byrd pada gitar, Linnette pada drum, dan James King pada bass.

Malone aktif menjadi pekerja lepas di Atlanta pada tahun 1986 ketika dia sedang istirahat. “Jerry Byrd keluar dari band, dan saya akhirnya bergabung dengan grup,” katanya. Malone hanya bermain di band Freddy sebentar. “Mungkin dua bulan. Saya berbentuk persegi seperti meja biliar dan dua kali lebih hijau. Saya belum ‘siap untuk Freddy!’ “

Meskipun tugas Malone singkat, pengalaman itu tidak sia-sia. “Sedikit waktu yang saya habiskan dengannya, saya belajar banyak,” katanya. “Freddy adalah orang pertama yang menarik perhatian saya tentang ungkapan, mempelajari lagu, dan benar-benar mempelajari lirik lagu. Sebagian besar repertoar saya berasal dari dia. ”

Diakui sebagai penyanyi dan pianis

Pianis jazz Benny Green mencontohkan pendekatan pianistiknya tidak hanya pada mentor musik utamanya Oscar Peterson, tetapi juga format piano-bass-gitar klasik yang dikenal dengan Nat dan Freddy Cole. Green menunjukkan penghormatan tertinggi atas kemampuan Freddy Cole yang tanpa kesulitan untuk menggabungkan tempo dan kunci secara mulus untuk efek hipnotis. “Itu adalah musik orang dewasa untuk semua orang,” kata Green. “Freddy menyukai tempo santai dan presentasinya sangat menarik. Set-nya akan mengalir seperti medley panjang, saat dia menyelesaikan sebuah lagu, dia dengan malu-malu mengucapkan judulnya lagi seolah-olah dia tahu kamu ingin selalu mengingatnya. ”

Green berperan penting dalam memperkenalkan Freddy kepada Randy Napoleon, yang menjadi gitaris lama Cole. “Dia datang untuk mendengarkan trio saya di Top O ‘The Senator Lounge di Toronto sekitar tahun ’99, Randy Napoleon sedang bermain gitar dengan saya,” kata Green. Freddy menelepon Green beberapa minggu kemudian, mengatakan kepadanya, “Katakan, aku suka pemain gitar kecilmu itu.”

“Ben memberitahuku bahwa Freddy telah mengatakan beberapa kata bagus tentang aku,” kata Napoleon. “Itu sangat menggembirakan.”

Napoleon pertama kali diganti dengan Cole pada tahun 2004, dan akhirnya bergabung dengan band secara penuh pada tahun 2006. Green jelas masih bangga dengan peran yang ia mainkan dalam menghubungkan kedua pria tersebut. “Randy telah menjadi seperti tangan kanan Freddy di panggung dan jalan bagi saya percaya lebih dari 15 tahun sekarang,” katanya.

Band ini rata-rata tampil sekitar 200 kali setahun, menurut Napoleon. “Kami akan menghabiskan sepanjang hari bersama,” katanya. “Rasanya seperti kami bisa membaca pikiran satu sama lain.”

Bassist Freddy, Elias Bailey, bergabung dengan band sekitar dua tahun sebelum Randy. “Saya tahu cara memainkan bass, tapi saya tidak tahu bagaimana menjadi pemain bass,” katanya. Dia menggambarkan Cole sebagai lambang keanggunan dan gaya profesional. “Freddy bisa membaca setiap orang dan menyampaikan materi yang tepat.”

Berada di jalan dalam band Freddy berarti seseorang harus belajar mengatur kecepatan dirinya sendiri. Bailey mengingat rutinitas 18 jam peregangan dengan Cole. “Kami akan mulai dengan sarapan bersama dan berakhir di bar pada malam hari,” katanya. Namun, keesokan harinya, bisnis seperti biasa. Etos kerja lama Cole tidak hilang dari Bailey, yang dengan senang hati berkata, “Dia biasa berkata, ‘Tunjukkan pada saya seorang musisi yang tidur sampai siang, dan saya akan menunjukkan kepada Anda seseorang yang tidak manggung – bisnis berlangsung di pagi hari ! ‘”

Namun tidak semuanya bekerja dan tidak ada drama – hampir setiap musisi yang saya wawancarai berbicara tentang energi yang tampaknya tak henti-hentinya dimiliki pria itu. “Dia ingin melihat ‘kucing’ di setiap kota,” kata Bailey. “Saya berusia 20-an ketika saya mulai bersamanya dan dia bisa mengalahkan saya saat itu! Dia yang terakhir tidur, dan yang pertama bangun di pagi hari. “

Pemimpin Count Basie Band Scotty Barnhart setuju – dia melihat secara langsung betapa Freddy sangat suka bergaul. “Saya memintanya untuk tampil di Festival Jazz dan Blues Florida pertama saya di Tallahassee pada September 2016. Itu juga ulang tahunnya yang ke-85 dan saya memastikan kami memberinya kue besar dan seluruh penonton menyanyikan“ Selamat Ulang Tahun ”untuknya. Bahkan pada usia 85 tahun, dia pergi dengan saya ke sesi jam larut malam sesudahnya di sebuah klub bernama B Sharps. Maksud saya, berapa banyak orang yang Anda kenal yang bisa melakukan itu pada usia itu? “

Evelyn White adalah pemimpin dari trio jazz bergaya Nat Cole yang saya mainkan selama beberapa tahun ketika saya tinggal di Atlanta pada awal tahun 90-an. Suatu malam White sedang melakukan solo piano di Nikko ketika, tiba-tiba, Freddy Cole masuk ke lobi dan mengambil tempat duduk. “Dia memperkenalkan dirinya, dan yang mengejutkan saya, dia mengira saya baik. Dan dia segera berkata, ‘Kamu tahu, kamu memiliki latar belakang klasik,’ dan saya berkata, ‘Wah, ya saya lakukan!’ ”

Selama beberapa tahun berikutnya, Cole akan menjadi mentor musik untuk White, yang, seperti Russell Malone, kagum pada repertoar yang tampaknya tak berujung yang dimiliki Freddy. “Orang ini tahu setiap lagu jazz, terutama standar jazz – teater musikal juga!” Cole secara teratur memberikan komentar berwawasan kepada White untuk meningkatkan karirnya. “Dia tahu melodi itu,” kata White. “Dia selalu mengatakan kepada saya, ‘Harmoni yang bisa Anda mainkan, tetapi Anda tidak bisa bermain dengan melodi – Anda harus tahu melodinya.’ Dia biasa berbicara tentang berapa banyak orang yang akan bernyanyi – bahkan ‘My Funny Valentine’ – the cara yang salah.”

university of idaho telah menyelenggarakan Lionel Hampton Festival Jazz di Moskow, Idaho, sejak awal tahun 60-an. “Saat itu tahun ’98 ketika saya bertemu Lionel Hampton, dan Freddy ada di sana setiap tahun saya pergi – selama 10 tahun berturut-turut,” kata White. Daftar pemain terbaca seperti ‘siapa-siapa’ dari elit jazz, termasuk Russell Malone, yang menjabat sebagai gitaris house selama bertahun-tahun. “Itu sangat bagus karena banyak orang tua masih ada pada saat itu,” kata Malone. “Clark Terry, Joe Williams, Hank Jones, Lionel Hampton, tentu saja. Titan masih berjalan di planet ini! ”

Malone dan White memiliki banyak kesempatan untuk bermain dengan Freddy, yang menghadiri festival dengan religius. “Saya melihatnya di sana dengan bandnya mungkin sekali atau dua kali,” kata Malone. “Tapi untuk sebagian besar, dia akan bermain dengan kami sebagai band house. Apa pun yang ingin dia mainkan, dia selalu membuatnya sangat mudah bagi kami karena dia tahu banyak lagu. Dia selalu sangat fleksibel. “

Drummer Lewis Nash bertemu Cole di New York ketika dia bermain dengan pianis legendaris Tommy Flanagan dalam trio 1990-2000. “Freddy biasa datang ke sana untuk mendengarkan kami,” kata Nash. Di sanalah aku bertemu dengannya.

Baik Nash maupun White menikmati kesempatan untuk tampil di Festival Hampton di Idaho, tetapi sebelum dan sesudah pertunjukan itu adalah “hang” yang dihargai oleh semua musisi. Nash, Malone, White, dan Freddy secara teratur duduk di sebuah restoran kecil di dalam Hotel Sheraton. “Itu adalah bagian yang sangat saya sukai,” kata White, “duduk-duduk setelah konser selesai”.

Malone berkata, “Kami menghabiskan banyak waktu mengobrol di restoran itu. Anda baru saja belajar banyak hanya dengan berada di sekitar orang-orang ini. ”

White mengatakan dia sering merasa seperti berada di luar jangkauannya. “Saya hanya seorang pengamat, tapi Freddy – berkat hatinya – dia akan selalu membawanya kembali kepada saya, dan dia selalu menanyakan pertanyaan kepada saya. Seperti, ‘Apakah Anda tahu ayat untuk’ Pria yang Saya Cintai? ‘Tidak? Anda perlu mempelajari ayat tersebut. Ayat itu adalah dimana uang itu. “

Nash berkata bahwa Freddy menunjukkan perhatian khusus padanya. “Dia tahu saya menyanyi sedikit, jadi setiap kali saya melihatnya, dia akan memiliki selembar kertas kecil lagi dengan daftar beberapa lagu lagi yang menurutnya mungkin cocok dengan kualitas suara saya. Freddy akan berkata, ‘Hei, kamu harus mencoba yang ini dan kamu harus mencoba yang ini.’ ”

Dia juga menghargai saat-saat pribadi dengan Cole, seperti jalan-jalan pagi bersama. “Orang-orang dari generasi Freddy, mereka suka bangun di pagi hari dan berjalan – di situlah mereka berkumpul,” kata Nash. “Ini menentukan semua yang terjadi selama 24 jam ke depan. Hal-hal di luar musik terkadang lebih penting daripada musik itu sendiri. “

Akhir sebuah Ketenaran

Malone, sekarang tinggal di New York City, adalah salah satu orang terakhir yang melihat pertunjukan Freddy. “Saya melihat Freddy di Birdland beberapa bulan lalu, sebelum pandemi melanda. Dia tidak secepat biasanya. Tapi begitu dia tampil di panggung, itu seperti dia diremajakan. “

Randy Napoleon ingat salah satu pertunjukan terakhir yang dia lakukan bersama Freddy Agustus lalu di Festival Jazz Chicago. “Kami bermain di luar di amfiteater, dan penontonnya sangat banyak. Dia secara fisik lemah, tetapi secara emosional itu lebih kuat dan begitu dalam. Dia akan menyanyikan sebuah balada dan Anda bisa mendengar setitik nada. “

Setelah berita tersebar bahwa Cole telah meninggal, Napoleon berkata, “Ini benar-benar memukul saya dengan keras; ada lubang besar. Saya tidak merasa ada orang yang memiliki apa yang Freddy miliki. Ini hanyalah akhir dari sebuah era. “

Nash mengingat Freddy sebagai “hangat dan memberi, terutama dengan musisi yang mengejar dia.”

Perbandingan antara Cole bersaudara tidak bisa diabaikan. “Itu bukan sesuatu yang kami (Cole dan saya) bicarakan,” kata Malone. “Tapi dia punya lagu dalam repertoar berjudul ‘Aku Bukan Saudaraku, Aku Aku,’ dan semua perasaannya tentang dibandingkan dengan saudaranya ada di lagu itu.”.

Baca Juga :  Gitaris Ana Popovic Memberikan Shredding Blues-Rock Khas di Longmont

Evelyn White berkata, “Gaya Freddy sedikit lebih kasar pada suaranya dan permainannya daripada Nat.”

Malone setuju, berkata, “Aku tidak pernah mengira dia terdengar seperti Nat. Saya selalu berpikir Freddy sedikit lebih grittier dan funkier. “

Kisah terakhir dari Evelyn White ini menangkap esensi dari pria yang semangatnya terus bergema. “Suatu hari, kami hanya duduk di sana berbicara, memesan gumbo dari menu, dan Freddy berkata, ‘Ya, ya, sayang, setiap kali saya melihat Tony, dia bertanya tentang Anda.’ Saya seperti, ‘Oh, oke, ‘dan saya tidak benar-benar tahu siapa yang dia maksud. Dan saya seperti, ‘Freddy, Tony apa yang kamu bicarakan’? Dan dia berkata, ‘Bennett!’ “

Putih tercengang. “Saya selalu ingin menjadi musisi yang baik,” katanya. “Saya tidak peduli tentang ketenaran. Dia selalu berkata, ‘Jangan berhenti bermain.’ Yang dilakukan Freddy adalah memberi saya kepercayaan diri – titik. Itulah yang dia lakukan. “

Tenyata Mendengarkan Musik Jazz Mempunyai Banyak Manfaat
Berita

Tenyata Mendengarkan Musik Jazz Mempunyai Banyak Manfaat

Tenyata Mendengarkan Musik Jazz Mempunyai Banyak Manfaat, Tidak peduli berapa usia Anda, penting untuk menjaga kebutuhan kesehatan fisik dan mental Anda. Membuat perubahan gaya hidup kecil, dari menyesuaikan pola makan hingga bermeditasi secara teratur, dapat berdampak besar pada kesehatan Anda secara keseluruhan.

Mmenurut freddycole.com Salah satu hal paling sederhana yang dapat Anda lakukan untuk meningkatkan kesehatan Anda adalah mendengarkan musik jazz. Percaya atau tidak, jazz telah dikaitkan dengan manfaat kesehatan yang positif seperti pengurangan stres, peningkatan kesehatan mental dan kesehatan fisik yang lebih baik. Berikut adalah melihat lebih dekat manfaat mendengarkan musik jazz.

Musik Jazz Dapat Menurunkan Tekanan Darah

Antara 30% dan 50% orang dewasa di atas usia 50 dilaporkan memiliki hipertensi kronis, atau tekanan darah tinggi. Jika tidak diobati, tekanan darah tinggi dapat menyebabkan sejumlah komplikasi berbahaya, termasuk:

  • Serangan jantung
  • Aneurisma
  • Pembuluh darah robek
  • Demensia

Beberapa jenis musik, termasuk musik klasik, musik upbeat, dan jazz halus, telah terbukti membantu menurunkan tekanan darah dengan melebarkan pembuluh darah — akibatnya mengurangi kemungkinan berkembangnya komplikasi kesehatan. Menurut Klinik Musisi New Orleans, mendengarkan musik jazz dapat memperluas pembuluh darah hingga 30%. Sebagai bonus tambahan, itu juga dapat meningkatkan kadar imunoglobulin, mengurangi risiko infeksi.

Baca Juga : Sejarah Musik Jazz di Indonesia

Tentu saja, musik saja bukanlah pengobatan yang komprehensif — jika Anda memiliki tekanan darah tinggi, penting untuk melengkapi terapi musik dengan hal-hal seperti olahraga yang tepat, pemeriksaan kesehatan rutin, dan diet rendah garam.

Mendengarkan Lagu Jazz Merangsang Otak

Mendengarkan musik santai diketahui mempengaruhi gelombang otak Anda, menghasilkan beberapa manfaat kognitif yang berbeda. Contohnya meliputi:

  • Menghilangkan stres : Musik jazz melemaskan tubuh dengan mengaktifkan gelombang otak alfa Anda, yang membantu mengurangi kecemasan dan meningkatkan pikiran yang tenang.
  • Tidur yang lebih baik  : Mendengarkan musik jazz dapat mengaktifkan gelombang otak delta, yang menyebabkan tidur lebih nyenyak.
  • Peningkatan kreativitas : Selain gelombang alfa dan delta, musik jazz dapat meningkatkan gelombang otak theta Anda, yang mendorong tingkat kreativitas yang lebih tinggi.
  • Meningkatkan memori dan suasana hati : Menurut sebuah penelitian yang dilakukan oleh Universitas Johns Hopkins, mendengarkan musik jazz dapat meningkatkan daya ingat, suasana hati, dan kemampuan verbal Anda.
  • Mengurangi depresi : Studi menunjukkan bahwa mereka yang mendengarkan musik jazz atau musik lambat 25% lebih kecil kemungkinannya untuk mengalami depresi.

Baik Anda mendengarkan lagu yang sama atau musisi baru setiap malam, mengekspos otak Anda pada musik jazz adalah cara yang bagus untuk meningkatkan kesejahteraan mental Anda secara keseluruhan.

Jazz Dapat Membantu Dengan Kondisi Nyeri Kronis

Orang dengan kondisi nyeri yang melemahkan sering beralih ke obat resep dan perawatan medis lainnya untuk membantu meringankan rasa sakit itu. Meskipun Anda harus mengikuti petunjuk dokter tentang pereda nyeri, tidak ada salahnya mencoba mendengarkan musik jazz juga.

Baca Juga : 10 Gitaris Blues Terbaik Sepanjang Masa

Satu studi menunjukkan bahwa mereka yang mendengarkan musik jazz mengalami penurunan rasa sakit sebesar 21% – sebagai perbandingan, mereka yang tidak mendengarkan musik hanya mengalami penurunan rasa sakit sebesar 2%. Selain nyeri kronis setiap hari, musik jazz dapat membantu hal-hal berikut:

  • Sakit kepala migrain
  • pemulihan stroke
  • Persalinan
  • Pemulihan pasca operasi

Mirip dengan bagaimana musik membujuk otak untuk mengurangi stres dan meningkatkan kebahagiaan, musik dapat memaksa otak Anda untuk menahan perasaan sakit. Baik Anda sedang mengalami peristiwa jangka pendek seperti melahirkan atau menghadapi sakit kepala setiap hari, musik menawarkan solusi yang aman dan alami. Hasil positif juga terlihat di antara mereka yang mendengarkan musik slow dan musisi klasik.

Musisi jazz terkenal John Coltrane pernah berkata bahwa musik dapat “mengubah pemikiran orang”. Meskipun dia mungkin berbicara secara metaforis, kutipan itu ternyata berakar pada kebenaran yang cukup literal. Jazz memengaruhi otak dan tubuh kita menjadi lebih baik, mendorong kita untuk menjadi lebih kreatif, mengurangi stres, dan lebih sehat. Itulah mengapa semakin banyak dokter yang beralih ke terapi musik sebagai cara untuk membantu pasien merasa lebih bahagia dan lebih sehat.

Tentu saja, jazz saja tidak cukup untuk mengatasi setiap masalah kesehatan, terutama untuk orang dewasa yang lebih tua. Baik Anda mencoba menurunkan tekanan darah atau memperbaiki suasana hati, penting untuk berkonsultasi dengan profesional medis dan membuat perubahan gaya hidup yang terukur. Salah satu cara terbaik untuk melakukan ini dengan sukses adalah dengan menemukan lingkungan yang positif dan mendorong seperti Riddle Village.

Di komunitas senior kami, kami menawarkan semua yang Anda butuhkan untuk kesehatan holistik, mulai dari perawatan pribadi dan layanan perawat terampil hingga aktivitas sehari-hari, program, dan makanan bergizi. Anda selalu dapat mempercayai staf kami yang berpengalaman dan bersemangat untuk mengatasi masalah Anda. Pelajari lebih lanjut dengan mengunjungi kami secara online dan meminta brosur hari ini!

Sejarah Musik Jazz di Indonesia
Biographi

Sejarah Musik Jazz di Indonesia

Sejarah Musik Jazz di Indonesia, Sedikit artikel tentang Sejarah jazz di Indonesia, diambil dari suatu milis. Untuk menambah pengetahuan kita tentang jazz tanah air. Sekaligus menyambut pergelaran ajang Java Jazz Festival yg akan diadakan minggu depan di JCC. Menikmati !

Sejarah Jazz Indonesia

Meskipun gaya musik yang dikenal sebagai jazz pertama kali disintesis di Amerika Serikat pada tahun-tahun sebelum Perang Dunia Pertama, saat ini musik yang tidak mengenal batas internasional. Jazz yang bagus sekarang dimainkan di setiap benua. Terlebih lagi, beberapa musisinya yang paling berbakat – dan penggemar yang paling fanatik – adalah orang Asia.

Menurut freddycole.com Jazz pertama kali terdengar di Indonesia pada akhir tahun 30-an ketika dimainkan oleh para musisi Filipina yang datang ke Indonesia untuk mencari nafkah sebagai entertainer. Melalui permainannya, banyak pendengar Indonesia yang awalnya berkesempatan mendengar alat musik tiup (terompet, saksofon, dan sebagainya) biasanya kemudian hanya ditampilkan dalam apa yang disebut musik “serius” yang dimainkan dengan cara baru yang mengasyikkan. Musik awal yang dipengaruhi jazz memiliki dampak yang cukup besar pada kaum muda saat itu dan mewakili kontras yang nyata dengan warisan Eropa yang tenang yang kemudian mewakili “budaya tinggi.”

Di antara elemen musik lain yang diperkenalkan oleh para pengunjung dari Filipina ini adalah ritme Latin – rumbas, sambas, bolero, dan banyak lagi. Banyak orang tua masih mengingat nama-nama yang lebih menonjol dari bintang Filipina yang berkunjung: Soleano, Garcia, Pablo, Baial,

Torio, Barnarto, dan Samboyan. Beberapa tinggal untuk waktu yang lama di Jakarta dan bahkan tampil sebagai solois dengan Orkestra Radio Indonesia. Yang lain menemukan peluang untuk bermain di kota-kota di berbagai wilayah negara. Samboyan, misalnya, menjadi pimpinan Bandung Studio Orchestra. Melalui proses pengamatan dan osmosis, pengaruh musik baru ini mulai tercermin dalam permainan musisi muda Indonesia.

Di mana orkestra baru yang menarik dan kelompok-kelompok kecil ini terdengar di seluruh Indonesia pada akhir tahun 30-an? Musisi Filipina sedang menghibur dan bermain untuk penari di Hotel Des Indes (di tempat yang sekarang menjadi situs Duta Merlin Plaza), di Hotel Der Nederlander (ada kantor pemerintah di lokasi itu hari ini), di Hotel Savoy Homann di Bandung, dan di Hotel Oranye di Surabaya. Di tempat-tempat ini dan tempat-tempat populer lainnya, kadang-kadang orang Belanda berbaur dengan orang Indonesia kelas atas.

Baca Juga : Musisi Jazz Indonesia Yang Harus Anda Dengarkan di Tahun 2021

Konon lagu pertama yang digubah oleh orang Indonesia khusus untuk menghibur (dan menggunakan pola lagu standar) adalah yang berjudul “Als de Orchideen Bloeien” (“Saat Anggrek Mekar”) karya Ismail Marzuki. Liriknya dalam bahasa Belanda dan tanggal penerbitannya adalah November 1939.

Musik yang dipengaruhi Barat dilarang oleh Jepang selama pendudukan mereka. Namun, musik Asia diizinkan. Begitu pula keroncong yang dianggap sebagai musik tradisional. Tetapi dengan pengusiran orang Jepang dan ketersediaan baru rekaman Barat, revolusi musik yang luas mulai terjadi. Musisi individu tertentu mulai mengumpulkan reputasi lokal untuk cara-cara yang cerdas; mereka mengadaptasi pengaruh luar negeri sebagai bagian dari gaya mereka sendiri. Pianis Marihot Hutabarat, misalnya, bermain dengan bakat yang tidak berbeda dengan George Shearing. Ia sering mengiringi penyanyi Sal Saulius Hutabarat, yang suara baritonnya disebut-sebut mirip dengan Billy Eckstine. Nyanyian Bing Slamet, di sisi lain, mencerminkan pengaruh rekaman populer Bing Crosby.

Lebih dari enam puluh musisi Belanda datang ke Indonesia pada tahun 1948 dengan tujuan untuk mengorganisir orkestra simfoni yang sebagian besar terdiri dari musisi lokal. Sebelum mereka kembali ke Belanda sekitar masa kemerdekaan, mereka telah mendirikan Radio Filharmonisch Orkest. Di antara musisi Belanda yang paling terkenal adalah Baarspoel, Fritz Hintze, Henk te Strake, dan Jose Cleber. Beberapa dari mereka bertahan di luar periode komitmen asli mereka dan membantu membentuk ansambel jenis lain.

Cleber’s Jakarta Studio Orchestra menampilkan aransemen big band yang terdengar sangat mirip dengan apa yang dilakukan band Stan Kenton di California sekitar waktu itu. Kelompok terkemuka lainnya pada waktu itu termasuk The Progressive Trio (dengan Dick Able sebagai gitaris, Nick Mamahit pada piano, dan Dick van der Capellen bermain bass); Sextet and Octet karya Iskandar, yang memainkan aransemen jazz modern; The Old Timers, dipimpin oleh Eto Latumeten pada saksofon tenor dan memainkan repertoar Dixieland.

Pada tahun 1955, Bill Saragih membentuk Jazz Riders dengan dirinya pada piano, getaran, dan seruling, Didi Chia pada piano, Paul Hutabarat sebagai vokalis, Herman Tobing pada bass, dan Yuse pada drum. Edisi selanjutnya menampilkan Hanny Joseph bermain drum, Sutrisno memainkan saksofon tenor, Thys Lopis pada bass dan Bob Tutupoly sebagai penyanyi unggulan.

Ketika gaya jazz menjadi lebih populer, nama-nama lain menjadi terkenal: pianis Taslan Suyatno dan Mus Mualim, pemain terompet Ari Tess, drummer Benny van Dietz (Benny Mustafa), dan banyak lainnya. Lampu-lampu terkemuka di Surabaya antara tahun 1945 dan 1950 adalah Jack Lemmers / Jack Lesmana (bass), Bubi Chen (piano), Teddy Chen, Jopy Chen (bass), Maryono (saksofon), Berges (piano), Oei Boen Leng (gitar) , Didi Pattirane (gitar), Mario Diaz (drum), dan Benny Heinem (klarinet). Pada era Fifties and Sixties, nama-nama besar di kancah jazz Bandung adalah Eddy Karamoy (gitar), Joop Talahahu (tenor saxophone), Leo Massenggi, Benny Pablo, Dolf (alto saxophone), John Lepel (bass), Iskandar (gitar dan piano), dan Sadikin Zuchra (gitar dan piano).

Baca Juga : Sejarah Lagu “Death Don’t Have No Mercy” Reverend Gary Gavis

Di antara musisi muda yang mulai terdengar di Jakarta pada era 70-an dan 80-an adalah almarhum Perry Pattiselano (bass), Embong Raharjo (saksofon), Luluk Purwanto (biola), Oele Pattiselano (gitar), Jackie Pattiselano (drum), Benny Likumahuwa (trombon dan bass), Bambang Nugroho (piano), Elfa Secioria (piano). Beberapa pemain muda ini condong ke rock and fusion, tetapi kadang-kadang memiliki kesempatan untuk bermain dalam konteks jazz: Yopie Item (gitar), Karim Suweileh (drum), Wimpy Tanasale (bass), Abadi Soesman (keyboard), Candra Darusman (keyboard). ), Christ Kayhatu (piano), Joko WH (gitar), dan masih banyak lagi.

Pasti masih banyak nama lain yang layak disebut. Daftar di atas hanya mewakili sebagian dari bakat musik dalam beberapa dekade terakhir. Dunia musik di Indonesia saat ini adalah salah satu yang sibuk, dengan banyak kesempatan bagi pemain berbakat untuk mencari nafkah dengan bermain di televisi, di klub malam dan sebagai back-up untuk penyanyi pop. Tetapi banyak dari mereka yang ingin memiliki kesempatan bermain jazz yang sesungguhnya lebih sering karena musiklah yang merangsang dan menantang mereka. Sebagai pecinta musik ini, kita harus mendukung mereka dimanapun dan kapanpun kita bisa. Antusiasme kami akan memungkinkan mereka untuk menjaga musik tetap vital dan hadir di mana-mana sebagaimana mestinya!

Musisi Jazz Indonesia Yang Harus Anda Dengarkan di Tahun 2021
Berita

Musisi Jazz Indonesia Yang Harus Anda Dengarkan di Tahun 2021

Musisi Jazz Indonesia Yang Harus Anda Dengarkan di Tahun 2021, Sekilas tentang musik Indonesia menunjukkan kepada kita bahwa itu secara khusus menunjukkan keragaman budaya negara, tetapi tidak dapat mengabaikan fakta bahwa Jazz menjadi semakin populer di negara ini.

Meski Jazz tidak dianggap sebagai genre musik mainstream di Indonesia, perkembangannya dari tahun ke tahun sungguh mencengangkan. Itu menjelaskan mengapa beberapa musisi Jazz Indonesia yang luar biasa datang dari tanah air, seperti Benny Likumahuwa, Benny Mustafa, Maryono, Jack Lesmana, dan Bubi Chen Maliq & D’Essentials.

Menurut freddycole.com Ada berbagai grup Jazz di tanah air yang menekankan pada perpaduan musik Jazz fusion kebarat-baratan kontemporer dengan musik etnik tradisional kampung halaman mereka.

Jika kita melihat sejarahnya, tahun 1948 adalah tahun dimana Jazz benar-benar mengambil langkah pertama di Indonesia.

Karena Jazz sudah dikenal di Amerika dan Eropa, sudah saatnya musik Indonesia merangkulnya.

Sekitar 60 musisi Belanda datang ke negara itu dan bergabung dengan talenta lokal untuk membentuk sebuah simfoni.

Itu adalah awal yang menjanjikan untuk musik Jazz dan tentu saja membantu dalam penciptaan grup dan musisi Jazz legendaris, seperti Sextet Iskandar, Trio Progresif, dan The Old Timers.

Selama dekade berikutnya, musik Jazz berkembang dan mendapatkan lebih banyak popularitas. Hari ini, Jazz dirayakan di Indonesia oleh banyak orang dalam konser dan festival.

Nah, setelah Anda memiliki gambaran umum tentang musik Jazz di Indonesia, mari kita beralih ke artis-artis yang dipengaruhi Jazz Indonesia yang pasti harus Anda dengarkan di tahun 2021.

Baca Juga : Biografi Musisi Jazz Terkenal di Louisiana Amerika

1. Candra Darusman

Soundtrack yang Direkomendasikan:

  • Pengunkapan Hatimu
  • Dunia Di Batas Senja
  • Kau

Nama Candra Darusman mungkin sudah tidak asing lagi di tahun 2000-an. Namun, ia sangat eksis di era 1970-an hingga 1990-an. Meski secara resmi belum ada pembubaran, namun Candra sudah tidak aktif sejak tahun 1991. Candra kembali muncul di kancah Jazz Indonesia pada tahun 2018 dengan hit barunya “Pengunkapan Hatimu” yang menampilkan Adien. Jadi, saya tidak bisa cukup menekankan bahwa Anda semua harus melihat karyanya!!!

2. Payung Teduh

Soundtrack yang Direkomendasikan:

  • Tertinggal
  • Untuk Wanita Yang Sedang Berpelukan
  • Di Atas Meja

Band ini populer dengan perpaduan ikonik antara folk, keroncong (gaya musik Indonesia) dan Jazz. Payung Teduh dibentuk pada akhir 2007 dengan hanya Is (vokalis) dan Comi (bass ganda). Kemudian pada tahun 2008, mereka mengundang Cito (drummer) dan Ivan (pemain gitar dan terompet) ke dalam band. Payung Teduh sudah terkenal di seluruh Indonesia bahkan Malaysia.

3.Tompi

Soundtrack yang Direkomendasikan:

  • Menghujam Jantungku
  • Tak Pernah Setengah Hati
  • Sedari Dulu

Tompi adalah seorang penyanyi Jazz, karakter vokalnya dipengaruhi oleh nyanyian tradisional Aceh dan pembacaan Al-Qur’an. Dia membuat tempatnya dalam bernyanyi pada tahun 2004 ketika album Bali Lounge dirilis. Meskipun ia hanya menganggap menyanyi sebagai pekerjaan sampingan yang menyenangkan, orang dapat berharap bahwa ia juga menciptakan soundtrack yang lebih menakjubkan di masa depan.

4. Tulus

Soundtrack yang Direkomendasikan:

  • Adu Rayyu
  • 1000 Tahun
  • Satu warna

Tulus adalah penyanyi-penulis lagu yang sangat populer dan telah berkecimpung di kancah Jazz Indonesia sejak tahun 201. Dia terkenal di seluruh Indonesia dan Malaysia karena gaya musiknya yang dipengaruhi jazz. Ia juga pernah tampil di Java Jazz, Bali Live Jazz Festival dan di Sounds of Indonesia di Hamburg, Jerman. Dia adalah salah satu penyanyi jazz yang tidak boleh Anda lewatkan di tahun mendatang.

5. Margie Segers

Soundtrack yang Direkomendasikan:

  • Semua Bisa Bilang
  • Betapa
  • Asmaraku

Suara yang menenangkan paling tepat dijelaskan untuk Margie Sergers karena dia pasti tahu bagaimana memikat pendengar dengan suara ajaibnya. Margie Sergers menghabiskan masa kecilnya di Belanda dan mulai belajar menyanyi jazz pada usia yang sangat muda. Setelah pengalaman belajar awal, ia dibimbing oleh artis Jazz Indonesia terkenal lainnya seperti Bubi Chen, Jack Lesmana dan Mang Udel. Dia masuk ke industri dan terkenal di tahun 1970-an.

6. Fadhilonn

Soundtrack yang Direkomendasikan:

  • Semuanya (Terjadi Tiba-tiba)
  • Revisi
  • Di tempat yang sama

Fadhilonn adalah pemain terompet dan penyanyi yang akan datang. Dia telah banyak dipengaruhi oleh genre Jazz seperti Frank Sinatra dan Louis Armstrong. Soundtrack Jazz yang dia hasilkan adalah otentik dan pasti layak untuk dicoba jika Anda menyukai New Orleans Jazz.

Baca Juga : Apa yang Membuat Gitaris Blues Hebat

7. Deredia

Soundtrack yang Direkomendasikan:

  • Kisah Menemukan Raja
  • Lagu bahagia
  • Teman Seperjuangan

Deredia adalah band Jazz yang memulai karir mereka di YouTube pada tahun 2014. Tidak seperti musisi kontemporer lainnya yang telah merambah genre pop, Deredia tahu gaya musik mereka dan mereka cukup pandai dalam hal itu. Deredia melahirkan kembali lagu-lagu yang banyak dinikmati oleh banyak orang: Pop tradisional dengan sentuhan Jazz, Raftime, Dixie dan Country.

Garis bawah

Tampaknya cukup jelas bahwa selera musik Jazz di Indonesia tumbuh dan itu menjelaskan mengapa festival Jazz di negara ini menarik banyak orang. Ambil contoh Jakarta International Java Jazz Festival (juga dikenal sebagai Java Jazz) yang merupakan salah satu festival jazz terbesar di dunia. Ini menarik banyak orang setiap tahun dan selalu sukses besar.

Musik jazz tidak dapat disangkal lagi menjadi masalah besar di Indonesia. Jadi, tidak perlu dikatakan lagi bahwa Anda harus mulai mendengarkan artis Jazz Indonesia karena ini adalah satu-satunya cara untuk membuat Anda berkata “mengapa saya belum pernah mendengarkan artis Jazz Indonesia sebelumnya?”

Biografi Musisi Jazz Terkenal di Louisiana Amerika
Biographi

Biografi Musisi Jazz Terkenal di Louisiana Amerika

Biografi Musisi Jazz Terkenal di Louisiana Amerika, Jazz lahir di Louisiana! Pelajari tentang musisi terkenal di balik genre musik jazz. Berikut ini adalah daftar Musisi Jazz terkenal yang berasal dari Louisiana.

CHARLES “BUDDY” BOLDEN (1877 – 1931) dikatakan oleh rekan-rekan musiknya sebagai “bapak musik jazz” sebelum istilah “jazz” ada. Menurut freddycole.com Pemain cornet dari New Orleans memadukan marching band tradisional, ragtime, dan musik hitam tradisional dengan riff klakson yang longgar dan keras serta improvisasi yang konstan. King Oliver dan Bunk Johnson mengutipnya sebagai pengaruh langsung pada permainan mereka.

KING OLIVER (1885 – 1938) adalah tokoh kunci dalam sejarah musik jazz di awal abad ke-20. Dia mulai bermain trombon, beralih ke cornet, belajar membaca musik (meskipun satu matanya buta), dan akhirnya menjadi mentor bagi Louis Armstrong. King Oliver’s Creole Jazz Band adalah salah satu band kulit hitam New Orleans pertama yang mendapatkan pengakuan di industri rekaman.

LOUIS “SATCHMO” ARMSTRONG (1901 – 1971) adalah salah satu musisi jazz paling berpengaruh di abad ke-20. Lahir di daerah miskin New Orleans, Armstrong mulai bermain musik pada usia 12 tahun di Waif’s Home for Boys, dan dia kemudian mengambil pelajaran cornet dari Joe “King” Oliver dan bermain di Creole Jazz Band yang digembar-gemborkannya. Sebagai pemimpin bandnya sendiri, Armstrong menjadi duta jazz terkenal di dunia yang dikenal karena menyanyi dan memainkan klakson, dan karya-karyanya berkembang menjadi genre populer sambil melintasi perbedaan ras dalam musik.

EDWARD “KID” ORY (1886 – 1973) adalah salah satu trombon paling berpengaruh dalam musik jazz awal. Sebagai pemain banjo saat masih muda, Ory menggunakan pengalaman itu untuk mengembangkan apa yang disebut “tailgate”, sebuah gaya bermain di mana trombon memainkan garis berirama di bawah terompet dan cornet band. Rekan band selama karirnya termasuk Raja Oliver, Louis Armstrong dan Mutt Carey.

Baca Juga : 5 Daftar Pianis Jazz Wanita Terhebat

EARL PALMER (1924 – 2008) adalah seorang drummer rock ‘n’ roll dan R&B yang terkenal dan merupakan anggota dari Rock and Roll Hall of Fame. Daftar kreditnya yang luas termasuk album-album awal Little Richard dan beberapa hits Fats Domino. Dia dikreditkan untuk menciptakan backbeat khas yang sekarang biasa di rock and roll, dan dia dilaporkan musisi pertama yang menggunakan kata “funky” ketika menggambarkan sinkopasi, kualitas danceable untuk musisi lain.

LOUIS PRIMA (1910 – 1978) adalah seorang penyanyi dan pemain trompet terkenal yang mengendarai musik pada saat itu selama karirnya. Karir penduduk asli New Orleans ini mencakup tujuh anggota band jazz di tahun 1920-an, sebuah band swing di tahun 1930-an, sebuah band besar di tahun 1940-an, aksi lounge di tahun 1950-an dan sebuah band pop-rock di tahun 1960-an. Dia memiliki bintang di Hollywood Walk of Fame, dan musiknya telah diliput oleh artis mulai dari Brian Setzer hingga David Lee Roth.

AL HIRT (1922 – 1999) adalah seorang pemain trompet dan pemimpin band yang terkenal dengan single Java pemenang GRAMMY ® dan lagu tema untuk hit televisi tahun 1960-an “The Green Hornet.” Dia juga memainkan versi solo Ave Maria untuk Paus Yohanes Paulus II ketika dia mengunjungi New Orleans pada tahun 1987.

NELLIE LUTCHER (1912 – 2007) adalah penyanyi dan pianis jazz dan R&B terkemuka di akhir 1940-an dan awal 1950-an, terkenal karena diksi khasnya dan pengucapan yang berlebihan. Dia memiliki tiga lagu yang mencapai Nomor Dua di tangga lagu R&B, dan katalog karyanya termasuk duet dengan Nat King Cole.

PETE FOUNTAIN (1930 – 2016) adalah bahan pokok dalam kancah jazz New Orleans selama beberapa dekade, memiliki dan tampil di banyak klub. Seorang mantan pemain klarinet dengan orkestra Lawrence Welk, Fountain juga membuat lebih dari 50 penampilan di “The Tonight Show Dibintangi Johnny Carson.”

ELLIS MARSALIS (1934) adalah pianis jazz New Orleans terkenal dengan banyak album untuk pujiannya. Dia lebih dikenal sebagai pendidik terkemuka di Pusat Seni Kreatif New Orleans, di mana dia telah mempengaruhi karir putra Wynton, Branford, Delfeayo, dan Jason, bersama dengan Harry Connick Jr. dan Nicholas Payton.

HAROLD BATTISTE (1931 – 2015) adalah seorang komposer, arranger, pemain dan guru New Orleans yang terkenal. Kesuksesan pertamanya adalah sebagai arranger untuk “You Send Me” milik Sam Cooke pada tahun 1957. Empat tahun kemudian, Battiste memprakarsai All For One, atau AFO, Records, label milik musisi Afrika-Amerika pertama. Dia juga menghabiskan 15 tahun dengan Sonny dan Cher, menjabat sebagai direktur musik serial TV mereka. Tugas itu mencetak enam rekor emas.

EDWARD “KIDD” JORDAN (1935) adalah pemain saksofon dan klarinet terkenal dari Crowley. Diskografinya mencakup banyak rekaman jazz, ditambah karya-karya dengan Ray Charles, Stevie Wonder dan Aretha Franklin.

WYNTON MARSALIS (1961) adalah pemain terompet, komposer dan pemimpin band, pendidik musik, dan Direktur Artistik Jazz di Lincoln Center. Dia telah memenangkan sembilan GRAMMY ® Awards dalam klasik dan jazz, dan lima tahun berturut-turut kemenangan GRAMMY ® antara 1983 dan 1987 tidak pernah diduplikasi. Salah satu rekaman jazz penduduk asli New Orleans adalah yang pertama dari jenisnya yang memenangkan Hadiah Pulitzer untuk Musik.

KERMIT RUFFINS (1964) adalah pemain terompet jazz, pemimpin band dan komposer. Dia adalah pendiri Rebirth Brass Band pada tahun 1983 dan Barbecue Swingers pada tahun 1992. Dia masih tampil secara teratur di klub, festival dan pemakaman jazz di New Orleans.

Baca Juga : Dokumenter Musik Harlem Street Singer Reverend Gary Davis

THE DUKES OF DIXIELAND awalnya dibentuk pada tahun 1948 oleh Assunto Brothers dan dimainkan dengan sukses selama 25 tahun. Mereka direformasi pada tahun 1974, melakukan pertunjukan reguler di tempat-tempat di seluruh New Orleans dan saat ini bermain setiap malam di atas Sunset Cruise Steamboat Natchez. Mereka dinominasikan untuk GRAMMY ® pada tahun 2000 dan masih melakukan lebih dari 30 konser per tahun saat tidak di atas kapal.

DIRTY DOZEN BRASS BAND dibentuk pada tahun 1977 oleh musisi lokal Benny Jones dan anggota Tornado Brass Band. Mereka merevolusi genre dengan memasukkan funk dan bebop ke dalam musik tiup tradisional New Orleans, dan mereka tetap menjadi pengaruh yang signifikan pada sebagian besar band tiup New Orleans.

REBIRTH BRASS BAND dibentuk pada tahun 1983 oleh pemain trompet New Orleans Kermit Ruffins dan musisi lain dari Joseph Clark High School di lingkungan Tremé New Orleans. Band ini dikenal karena menggabungkan funk, jazz, soul dan hip-hop ke dalam musik mereka. Band ini masih melakukan tur, dan meraih GRAMMY ® untuk Musik Roots Regional Terbaik pada tahun 2012.

5 Daftar Pianis Jazz Wanita Terhebat
Berita

5 Daftar Pianis Jazz Wanita Terhebat

5 Daftar Pianis Jazz Wanita Terhebat ini berisi wanita paling menonjol dan top yang dikenal sebagai pianis jazz. Anda mungkin juga tertarik dengan pianis jazz pria terkenal dan penyanyi jazz wanita terkenal . Ada ribuan wanita yang bekerja sebagai pianis jazz di dunia, tetapi daftar ini hanya menyoroti yang paling terkenal. Pianis jazz bersejarah telah bekerja keras untuk menjadi yang terbaik, jadi jika Anda seorang wanita yang bercita-cita menjadi pianis jazz maka orang-orang di bawah ini harus memberi Anda inspirasi.

Daftar orang termasuk Mary Lou Williams, Marian McPartland, Norah Jones, dan banyak lagi. Menampilkan musisi jazz wanita terkenal dari tahun 1930-an, 50-an, dan banyak lagi, daftar ini memiliki semuanya.

Menurut freddycole.com Meskipun ini bukan daftar semua pianis jazz wanita, ini menjawab pertanyaan “Siapa pianis jazz wanita paling terkenal?” dan “Siapa pianis jazz wanita terbaik” ?

1. Nina Simone

Eunice Kathleen Waymon (21 Februari 1933 – 21 April 2003), yang dikenal secara profesional sebagai Nina Simone, adalah seorang penyanyi, penulis lagu, musisi, arranger, dan aktivis hak-hak sipil Amerika. Musiknya mencakup berbagai gaya musik termasuk klasik, jazz, blues, folk, R&B, gospel, dan pop

Anak keenam dari delapan bersaudara yang lahir dari keluarga miskin di Tryon, North Carolina, Simone awalnya bercita-cita menjadi pianis konser. Dengan bantuan beberapa pendukung di kota kelahirannya, dia mendaftar di Juilliard School of Music di New York City. Dia kemudian mengajukan beasiswa untuk belajar di Curtis Institute of Music yang bergengsi di Philadelphia, di mana dia ditolak masuk meskipun diterima dengan baik.

2. Alice Coltrane

Alice Coltrane, juga dikenal dengan nama Sanskerta adopsinya Turiyasangitananda , adalah seorang musisi dan komposer jazz Amerika , dan di tahun-tahun berikutnya menjadi swamini . Seorang pianis ulung dan salah satu dari sedikit pemain harpa dalam sejarah jazz, dia merekam banyak album sebagai pemimpin band, dimulai pada akhir 1960-an dan awal 1970-an untuk Impulse! dan label rekaman lainnya.

Baca Juga : 10 Musisi Jazz Muda Inggris Yang Perlu Anda Ketahui

Dia menikah dengan pemain saksofon jazz dan komposer John Coltrane , dengan siapa dia tampil pada 1966–1967. Dia mendirikan VedanticCenter pada tahun 1975 dan Ashram Shanti Anantam di California pada tahun 1983, di mana ia menjabat sebagai direktur spiritual. Pada tanggal 3 Juli 1994, Swamini mendedikasikan kembali dan meresmikan tanah tersebut sebagai Sai Anantam Ashram.

3. Skylar Grey

Holly Brook Hafermann, dikenal secara profesional sebagai Skylar Gray, adalah seorang penyanyi, penulis lagu, dan produser rekaman Amerika dari Mazomanie, Wisconsin. Pada tahun 2004, pada usia 17, Gray menandatangani kesepakatan penerbitan dengan Universal Music Publishing Group dan kontrak rekaman dengan Machine Shop Recordings dengan nama Holly Brook. Pada tahun 2006, ia merilis album studio debutnya, Like Blood Like Honey, di bawah label yang disebutkan di atas.

Pada 2010, Gray ikut menulis singel hit Eminem dan Rihanna, ” Love the Way You Lie “, dengan Eminem dan produser rekaman Inggris Alex da Kid, yang kemudian mengontrak Gray ke label label Interscope Records- nya, Kidinakorner. Album kedua Grey, Don’t Look Down, dirilis pada Juli 2013. Album ini mencapai 10 besar di AS dan menghasilkan empat single. Rilisan studio ketiga Grey, Natural Causes, diterbitkan pada September 2016.

Gray mungkin paling dikenal karena mengisi vokal tamu di beberapa singel hit, seperti ” Where’d You Go ” milik Fort Minor, ” Coming Home ” milik Diddy, ” I Need a Doctor ” dari Dr. Dre, Nicki Minaj ” Bed of Lies ” -nya, dan ” Glorious ” -nya Macklemore. Selain itu, ia telah menulis lagu untuk sejumlah artis terkemuka di industri musik, termasuk Kehlani, G-Eazy, Alicia Keys, Christina Aguilera, Zedd,Celine Dion, dan CeeLo Green.

4. Norah Jones

Norah Jones adalah seorang penyanyi Amerika, penulis lagu, dan pianis. Dia telah memenangkan banyak penghargaan dan albumnya telah terjual lebih dari 50 juta rekaman di seluruh dunia. Billboard menobatkannya sebagai artis jazz top dekade 2000-an. Dia telah memenangkan sembilan Grammy Awards dan menduduki peringkat ke-60 pada artis majalah Billboard dari grafik dekade 2000-an.

Pada tahun 2002, Jones meluncurkan karir musik solonya dengan merilis Come Away with Me, yang merupakan perpaduan jazz dengan country, blues, folk dan pop. Itu adalah berlian bersertifikat, terjual lebih dari 27 juta kopi. Rekor tersebut membuat Jones mendapatkan lima Grammy Awards, termasuk Album of the Year, Record of the Year, dan Best New Artist. Album studio berikutnya Feels Like Home (2004), Not Too Late (2007), dan The Fall (2009) semuanya memperoleh platinumstatus, menjual lebih dari satu juta eksemplar masing-masing. Mereka juga umumnya diterima dengan baik oleh para kritikus. Album studio kelima Jones, Little Broken Hearts, dirilis pada 27 April 2012; keenamnya, Day Breaks, dirilis pada 7 Oktober 2016. Album studio ketujuhnya, Pick Me Up Off the Floor, dirilis pada 12 Juni 2020. Jones membuat debut film fiturnya sebagai aktris di My Blueberry Nights, yang dirilis pada tahun 2007 dan disutradarai oleh Wong Kar-Wai.

Baca Juga : Sosok Reverend Gary Davis Menurut Jorma Kaukonen

Jones adalah putri dari sitaris dan komposer India Ravi Shankar dan produser konser Sue Jones, dan merupakan saudara tiri dari sesama musisi Anoushka Shankar dan Shubhendra Shankar.

5. Diane Schuur

Diane Joan Schuur (lahir 10 Desember 1953), dijuluki ” Deedles “, adalah penyanyi dan pianis jazz Amerika. Pada 2015, Schuur telah merilis 23 album, dan telah memperluas repertoar jazznya untuk memasukkan esensi musik Latin, gospel, pop, dan country. Albumnya yang paling sukses adalah Diane Schuur & the Count Basie Orchestra, yang tetap menjadi nomor satu di Billboard Jazz Charts selama 33 minggu. Dia memenangkan Grammy Awards untuk penampilan vokal jazz wanita terbaik di 1986 dan 1987 dan telah memiliki tiga nominasi Grammy lainnya.

Schuur telah tampil di tempat-tempat seperti Carnegie Hall, The Kennedy Center, dan Gedung Putih, dan telah tampil dengan banyak artis termasuk Ray Charles, Frank Sinatra, Quincy Jones, dan Stevie Wonder. Co-performer di album Schuur termasuk Barry Manilow, José Feliciano, Maynard Ferguson, Stan Getz, Vince Gill, Alison Krauss, dan BB King. Albumnya dengan BB King adalah nomor satu di Billboard Jazz Charts. Dia adalah Johnny Carsontamu di NBC’s The Tonight Show sebelas kali.

Schuur telah buta sejak lahir karena retinopati prematuritas, tetapi memiliki memori nada absolut dan nada vokal yang jelas. Pada tahun 1996, dia menjadi bintang tamu di Sesame Street, di mana dia diwawancarai oleh Elmo dan menjelaskan kepadanya bagaimana orang buta dapat belajar menggunakan indra lain untuk beradaptasi di dunia. Pada tahun 2000 ia dianugerahi Penghargaan Prestasi Helen Keller oleh Yayasan Amerika untuk Tunanetra.

10 Musisi Jazz Muda Inggris Yang Perlu Anda Ketahui
Berita

10 Musisi Jazz Muda Inggris Yang Perlu Anda Ketahui

10 Musisi Jazz Muda Inggris Yang Perlu Anda Ketahui, Dari penyanyi dan penulis lagu pemenang penghargaan Zara McFarlane hingga band four-piece yang terkenal Empiris, Inggris penuh dengan talenta jazz muda. Membuktikan ada bakat di luar batas kota New Orleans dan New York City, 10 musisi Inggris berbakat ini menempatkan kancah jazz Inggris.

Zara McFarlane

Menurut freddycole.com Pemenang Penghargaan MOBO untuk Best Jazz Act of 2014, penyanyi-penulis lagu Zara McFarlane lahir dalam keluarga Jamaika di London dan mengembangkan kecintaannya pada jazz saat belajar teater musikal di BRIT School yang terkenal di London.

Pertemuan dengan DJ legendaris Inggris Gilles Peterson membuat McFarlane menandatangani kontrak dengan label rekamannya, Brownswood Recordings, dan perilisan album debutnya Hingga Besok pada 2011 yang mendapat sambutan hangat dan nominasi MOBO.

Album lanjutan McFarlane, If You Knew Her – rekaman ambisius yang mengeksplorasi banyak pengaruh musiknya dari dub dan reggae hingga jazz spiritual pemain saksofon Amerika Pharoah Sanders – dirilis pada awal 2014 dan dipuji oleh All About Jazz sebagai “gabungan modern jazz dan jiwa.”

Peter Edwards

Lulusan dari Trinity Laban Conservatoire of Music and Dance tahun 2009, Peter Edwards adalah seorang pianis, komposer, dan pemimpin band, yang, pada tahun 2015, dinobatkan sebagai Pendatang Baru Tahun Ini dari Parliamentary Jazz Awards.

Di bawah Peter Edwards Trio ia merilis album debutnya, Safe and Sound, pada tahun 2014 yang dideskripsikan oleh kritikus jazz John Fordham sebagai “tidak bersalah dan penuh perasaan”, dan kemudian terdaftar di antara 10 album jazz terbaik Majalah MOJO tahun ini.

Ketika dia tidak mengerjakan kolaborasi lintas genre dengan talenta seperti artis beatbox Inggris Shlomo, Edwards adalah direktur musik Nu Civilization Orchestra, sebuah orkestra jazz yang menampilkan karya orisinal di samping musik klasik jazz yang bertahan lama.

Phil Meadows

Terinspirasi untuk bermain saksofon pada usia 12 setelah melihat episode Simpsons di mana Lisa Simpson berduet dengan idola fiksinya Bleeding Gums Murphy, Phil Meadows adalah musisi, komposer, dan pendidik yang berbasis di London yang dianggap sebagai salah satu jazz paling berbakat di Inggris. seniman.

Baca Juga : 10 Pianis Yang Membantu Membentuk Scene Musik Jazz

Dia memenangkan penghargaan termasuk Peter Whittingham Jazz Award yang bergengsi pada tahun 2013 dan London Music Award untuk Jazz Rising Star pada tahun 2014, dan melalui perannya sebagai direktur musik di National Youth Jazz Orchestra London, dia membantu mempromosikan generasi berbakat berikutnya.

Baru-baru ini, Anda dapat mendengarnya bermain di Lifecycles, album debut 2014 dari Engines Orchestra – proyek kolaborasi lintas genre berisi 20 karya yang ia bentuk dengan menampilkan musisi seperti pemain trompet Laura Jurd dan pemain harpa Tori Handsley.

Polly Gibbons

Terkenal karena vokalnya yang penuh perasaan dan blues, Polly Gibbons telah menghabiskan dekade terakhir bekerja keras untuk mempertaruhkan tempatnya di kancah jazz Inggris – sedemikian rupa sehingga dia berhasil meraih nominasi BBC Jazz Award 2006 tanpa merilis album.

Tahun lalu membawa serangkaian kesuksesan bagi chanteuse yang berbakat; dia merilis album jazz Inggris debutnya My Own Company , yang ditulis bersama dengan pianis James Pearson, untuk mendapatkan sambutan hangat dan salah satu lagu aslinya, “Midnight Prayer,” memenangkan International Indie Songwriting Contest 2014.

Gibbons juga menandatangani kontrak dengan label AS Resonance Records pada tahun 2014, yang merilis album lanjutannya, Many Faces of Love , setelah tur Amerika yang sukses mendarat di New York danBoston .

Kit Downes

Pianis dan organis kelahiran Norwich yang produktif, Kit Downes, telah menikmati karir yang bervariasi sejak pertama kali bermain di klub jazz London pada usia 18 tahun – dia bermain di Newport Jazz Festival yang legendaris sebagai bagian dari lineup asli band jazz Empiris, mencatat Mercury Music Prize -shortlisted album dan mengajar di Purcell School of Music yang bergengsi.

Sejak 2009, Downes telah merekam beberapa album yang diakui sebagai bagian dari trio jazz eksperimental Troyka – termasuk Ornithophobia , yang digambarkan oleh kritikus John Fordham sebagai yang terbaik hingga saat ini – dan baru-baru ini menyadari Tricko , sebuah kolaborasi dengan pemain cello Lucy Railton yang ia temui saat belajar di Royal Akademi Musik.

Musa Boyd

Meskipun ia lulus dari Trinity Laban Conservatoire of Music and Dance hanya dua tahun yang lalu, drummer Moses Boyd telah membuktikan dirinya sebagai bintang yang sedang naik daun di kancah jazz Inggris, bermain drum di album 2014 Zara McFarlane yang terkenal If You Knew Her dan baru-baru ini memenangkan banyak penghargaan.

Penghargaan Musisi Jazz Muda 2014 yang didambakan Worshipful Company of Musicians. Saat ini, di antara bermain di acara-acara legendaris seperti Montreal International Jazz Festival, Boyd dapat ditemukan sedang mengerjakan gagasan musiknya The Exodus, sebuah kolaborasi eksperimental yang menampilkan sesama talenta termasuk pemain saksofon Binker Golding dan pemain tuba Theon Cross.

Alexander Bone

Lahir di Inggris Timur Laut dari keluarga musik, mungkin sudah takdir bahwa pemain saksofon dan pianis Alexander Bone akan menunjukkan bakatnya yang luar biasa di usia muda – ia mulai mengambil pelajaran piano jazz pada usia empat tahun dan mempelajari saksofon pada usia enam tahun.

Masih berusia 18 tahun, Bone adalah anggota National Youth Jazz Orchestra dan Greater Manchester Jazz Orchestra, dan, pada tahun 2014, diumumkan sebagai pemenang pertama BBC Young Jazz Musician of the Year Award. Saat ini sedang mempersiapkan studinya yang akan datang di Royal Academy of Music yang bergengsi di London , minat lain Bone adalah musik elektronik, merilis beberapa remix dengan nama alias Boney.

Laura Jurd

Tidak diragukan lagi salah satu musisi muda paling berbakat di Inggris, pemain trompet Laura Jurd memiliki banyak album di bawah ikat pinggangnya, banyak sambutan hangat, dan, pada tahun 2012, menjadi wanita pertama yang memenangkan Penghargaan Musisi Jazz Muda Perusahaan Musisi yang Worshipful dalam 20 tahun – dan dia baru berusia pertengahan dua puluhan.

Dia dipuji sebagai salah satu improvisasi terompet paling menjanjikan di dunia jazz Inggris, dan selain diundang untuk bermain di acara-acara internasional terkenal seperti Jazzfestival Münster, album debutnya, Landing Ground , dipuji oleh kelas berat jazz Inggris Mark Lockheart sebagai “cukup ajaib.” Jurd juga merupakan seperempat dari kuartet improvisasi rock seni Black-Eyed Hawk bersama vokalis Lauren Kinsella, drummer Corrie Dick, dan gitaris Alex Roth.

Empiris

Pakaian jazz kontemporer Empiris adalah empat anggota berbakat – menampilkan pemain saksofon Nathaniel Facey, Tom Farmer pada double bass, vibraphonist Lewis Wright, dan Shaney Forbes pada drum – yang debut self-titled 2007-nya terdaftar di antara Album Jazz Tahun Ini dari Majalah MOJO.

Delapan tahun kemudian, Empiris memiliki empat album – termasuk penghargaan mereka untuk legenda jazz Amerika Eric Dolphy, Out ‘n’ In , yang membantu band ini memenangkan MOBO 2010 untuk Best Jazz Act. Dengan album kelima dalam perjalanan, kuartet ini telah menghibur penggemar di beberapa acara jazz paling terkenal di dunia, termasuk Newport Jazz Festival dan Montreal International Jazz Festival .

Baca Juga : Reverend Gary Davis Salah Satu Musisi Jenius Amerika Yang Sangat Hebat

Remi Harris

Remi Harris pertama kali bermain gitar pada usia tujuh tahun, dan meskipun dia menghitung legenda rock klasik seperti Jimi Hendrix dan Led Zeppelin di antara pengaruh awalnya, pada usia 20 dia terpikat pada jazz.

Harris’ adalah gaya bermain eklektik dan unik yang memadukan jazz dan ayunan gipsi dengan elemen rock, blues, hip hop, dan musik dunia, dan setelah perilisan album debutnya, Ninick, ia digambarkan oleh legenda jazz Inggris Digby Fairweather sebagai “aman di garis depan gitaris jazz terbaik dunia”. Baru-baru ini, Harris telah tampil di Cheltenham Jazz Festival sebagai bagian dari siaran langsung BBC Radio 2 Jamie Cullum dan saat ini sedang merencanakan album kedua.

10 Pianis Yang Membantu Membentuk Scene Musik Jazz
Berita

10 Pianis Yang Membantu Membentuk Scene Musik Jazz

10 Pianis Yang Membantu Membentuk Scene Musik Jazz – Piano adalah instrumen unik dalam jazz karena membutuhkan banyak gulungan. Pianis merupakan bagian dari ritme, sering kali mengiringi pemain terompet tetapi piano juga dapat bertindak sebagai instrumen utama juga. Tidak akan kekurangan pemain piano hebat dalam jazz, tetapi inilah 10 favorit kami sebelum Jazz 100.

Judy Bailey

Menurut freddycole.com Pada tahun 1960, Judy Bailey awalnya melakukan perjalanan ke Australia dari Selandia Baru dalam perjalanan ke Eropa – khususnya Inggris. Besar di Pulau Utara Selandia Baru pada tahun 40-an, Kiwi muda pertama kali mengenal piano pada usia 10 tahun – dan segera mengembangkan telinga untuk jazz setelah mendengar George Shearing di siaran radio lokal. Sejak itu, pianis dan komposer telah menjadi salah satu kekuatan paling menonjol di kancah musik Australia. Baily bukan hanya pemain serba bisa dengan semua jenis gaya: dia juga seorang pendidik dengan hasrat yang mendalam untuk membangun generasi muda, musisi jazz Australia.

Shirley Scott

Sejak tahun 1950-an, dual pianis telah menjadi pokok dari idiom jazz, dan sebagai penggemar jazz, kita sering kali melihat orang-orang seperti Jimmy Smith, Larry Young dan Jimmy McGriff ketika membahas kehebatan Hammond B3. Memang, pemain piano memimpin dengan perkembangan soul jazz – sebuah cabang dari hardbop yang berkembang pada fondasi sub-genre di blues, gospel dan R&B.

Shirley Scott berada di garis depan gerakan ini, menyusun kosakata uniknya sendiri pada instrumen tersebut. Selama akhir 50-an dan sepanjang 1960-an, dia menjadi andalan untuk Prestige dan Impulse! Records – dengan lebih dari 40 album sebagai leader dan lebih banyak lagi sebagai side-woman, sambil melawan arus sebagai instrumentalis wanita di sebagian besar adegan yang didominasi pria.

Baca Juga : Louis ‘Satchmo’ Armstrong Superstar Musik Jazz

Bill Evans

Kembali pada 1800-an, impresionis merevolusi seni dengan mengambil praktik melukis dengan konsep cahaya dan bayangan. Lukisan mereka sangat detail – tetapi ada bersifat abstrak pada karya mereka. Jika pernah ada musik yang setara dengan gaya ini – Bill Evans harus menjadi impresionis jazz terbaik.

Pendekatan introspektifnya terhadap piano tidak ada duanya: ia memiliki kemampuan untuk memanfaatkan jangkauan instrumen yang luas – menyusun melodi rumit yang dihiasi dengan gerakan paduan suara yang padat. Dia juga pemain yang sangat dinamis dengan sentuhan halus – namun dia juga bisa eksplosif dan gesit. Evans membantu memajukan gaya trio piano – membangun fondasi yang diletakkan oleh Oscar Peterson dan Ahmad Jamal dengan memajukan interaksi dan interaksi antar anggota band. Evans memimpin banyak trio selama bertahun-tahun, namun yang paling ikonik adalah bandnya dengan Scott LaFaro dan Paul Motain.

Herbie Hancock

Sulit untuk menyaring seni Herbie Hancock. Pemain keyboard legendaris ada di sana selama banyak titik balik dalam jazz. Seorang ahli di belakang piano dengan telinga untuk komposisi yang menarik dan penuh perasaan, Herbie terus mendorong amplop dalam musik improvisasi sepanjang karirnya. Terlebih lagi, ia memiliki hasrat dan komitmen yang mendalam sebagai penginjil jazz – sesuatu yang sekarang diakui secara resmi dalam perannya sebagai Duta Niat Baik UNESCO.

Herbie pertama kali mendapatkan terobosan besar dengan Donald Byrd, sebelum bergabung dengan ‘kuintet hebat kedua’ Miles Davis. Herbie juga membuat rekaman solonya sendiri selama periode ini, mendaratkan lagu hit dengan ‘Watermelon Man’ pada debut Blue Note-nya Takin Off. Selama tahun 70-an, Herbie kembali memperluas batasan musik dengan band funknya Headhunters sebelum melanjutkan untuk membantu membangun genre hip-hop instrumental di tahun 80-an dengan keytar di ‘Rockit.’

Ahmad Jamal

Ahmad Jamal adalah salah satu legenda hidup jazz. Selama beberapa dekade di belakang keyboard, Jamal telah membantu membangun suara trio piano selama tahun 1950-an – merekam rekaman hit di studio dan di jalan. Tumbuh di Pittsburgh, pianis itu dikelilingi oleh sesama pemain hebat seperti Earl “Fatha” Hines dan Erroll Garner. Jamal membantu mengembangkan konsep ruang dan alur dalam permainannya – dan karya trionya pada LP klasik At The Pershing kemudian menginspirasi Miles Davis selama periode modal pemain terompet.

Thelonious Monk

Ketika Anda memikirkan suara asli yang unik dalam musik improvisasi, sulit untuk melewati Thelonious Monk . Gaya improvisasi dan komposisinya yang khas menonjol pada saat banyak rekan-rekannya juga menguji batas-batas idiom jazz. Awalnya, musiknya disalahpahami, tetapi dedikasi yang tak pernah gagal pada keahliannya membuat pianis mengatasi kritiknya – dan dia kemudian menjadi legenda.

Disamakan dengan Picasso milik jazz, Thelonious Monk adalah salah satu komposer musik modern yang paling produktif, dan gaya improvisasinya yang tidak ortodoks secara alami masuk ke dalam lagu-lagunya. Bahkan, meskipun hanya menulis beberapa lagu, Monk adalah salah satu komposer genre yang paling banyak direkam setelah Duke Ellington, yang sendiri membantu menulis ratusan lagu.

Bud Powell

Bud Powell adalah salah satu teka-teki besar jazz. Dia adalah salah satu orang hebat yang meninggal terlalu cepat, dan selama 41 tahun – dia berjuang mati-matian dengan masalah kesehatan mental. Sebagai seorang pianis, ia awalnya terinspirasi oleh Art Tatum yang ahli, tetapi selama tahun 1940-an – ia mulai memperlakukan piano seperti terompet. Bersama Charlie Parker dan Dizzy Gillespie, Powell adalah salah satu pendiri bebop – memperluas batas harmonik dan ritmik jazz – dan sesama pianis seperti Evans, Hancock dan Hampton Hawes menyebut Bud sebagai pengaruh utama dalam musik mereka sendiri.

Mary Lou Williams

Kesetaraan gender dalam jazz telah lama menjadi masalah – dan bagi Mary Lou Williams muda yang tumbuh di tahun 1920-an, perjuangan itu sangat akut. Kita sekarang mengenal Mary Lou sebagai salah satu pianis terhebat abad ke-20 – tetapi dia harus berjuang untuk mendapatkan tempatnya sebagai instrumentalis dalam apa yang dulu dan terkadang masih merupakan bentuk seni yang didominasi laki-laki.

Mary Lou Williams menulis salah satu suite jazz pertama yang memadukan unsur-unsur dari musik klasik. Dia juga seorang mentor bagi musisi muda seperti Thelonious Monk – dan di kemudian hari, dia menggubah musik jazz spiritual, memadukan kombo kecil dan besar dengan paduan suara dan string. Duke Ellington pernah mengatakan bahwa Mary Lou ” berada di luar kategori – seorang pianis yang meringkas dalam dirinya esensi penuh jazz dan mengekspresikannya dengan keterampilan dan persepsi bahwa beberapa musisi jazz lain bahkan telah mendekatinya .”

Baca Juga : 7 Musisi Legenda Blues Yang Layak Mendapat Pengakuan Lebih

Chucho Valdes

Salah satu ekspor musik paling ikonik Kuba, Chucho Valdes terus menyilangkan suara negara asalnya dengan jazz. Pada awal 70-an, ia membentuk salah satu band jazz Latin paling terkenal di pulau Karibia – Irakere, sebelum pergi untuk menikmati kesuksesan internasional setelah menandatangani kontrak dengan Blue Note Records di tahun 90-an. Baru-baru ini, Valdes telah mewariskan pengetahuannya kepada generasi berikutnya dari seniman jazz Kuba – baik sebagai guru maupun dengan bandnya, Afro-Cuban Messengers.

Art Tatum

Menyebut Art Tatum sebagai virtuoso adalah pernyataan yang meremehkan. Ketika orang mendengar rekamannya untuk pertama kalinya, mereka mengira ada dua pianis yang bermain. Tatum memiliki gangguan penglihatan, tetapi itu tidak menghentikannya dari belajar bermain dengan telinga sebagai seorang anak. Beberapa menggambarkan gayanya sebagai permainan langkah sementara yang lain telah mencatat pengaruh musik klasik pada Tatum. Kejeniusannya, bagaimanapun, berasal dari kemampuannya untuk menyerap dan mensintesis banyak teknik dan pendekatan ke piano.

Louis ‘Satchmo’ Armstrong Superstar Musik Jazz
Berita

Louis ‘Satchmo’ Armstrong Superstar Musik Jazz

Louis ‘Satchmo’ Armstrong Superstar Musik Jazz, Louis Armstrong adalah seorang superstar, jauh sebelum Andy Warhol mempopulerkan frasa tersebut. Pops mengunjungi lebih banyak negara di seluruh dunia daripada orang-orang sezamannya, pada saat perjalanan luar negeri oleh musisi menjadi berita utama fakta bahwa Louis Armstrong adalah seorang jazzman membuat prestasinya luar biasa. Sebagai orang kulit hitam membuat pencapaiannya unik.

Pria yang dikenal di seluruh dunia sebagai ‘Satchmo’ adalah duta kegembiraan dan kebahagiaan. Terompetnya, senyumnya, tawanya, dan kesediaannya untuk ‘hidup untuk penonton itu’ semuanya membantu menjadikannya ikon abad ke-20. Dia juga seorang pemain terompet dengan keterampilan luar biasa yang keahlian teknisnya dan kejeniusan imajinasi musiknya menjadikannya model bagi hampir setiap musisi jazz dari akhir 1920-an hingga pecahnya Perang Dunia 2 dan seterusnya.

Menurut freddycole.com Pembuat dokumenter, Ken Burns dalam serialnya tentang Jazz mengatakan, “Armstrong adalah musik seperti Einstein untuk fisika dan Wright Bersaudara adalah perjalanan.”

Seperti yang Anda harapkan dari seseorang yang merekam begitu lama, Louis Armstrong memiliki katalog yang sangat banyak dan penuh dengan musik yang bagus. Mengetahui di mana untuk memulai adalah hal. Untuk pengenalan terbaik untuk karir panjangnya, lihat Louis – The Best of Louis Armstrong atau set 4CD, Ambassador of Jazz yang mencakup beberapa materi yang belum pernah dirilis baru-baru ini dan wawancara satu jam dengan Satchmo. Albumnya dengan Ella Fitzgerald, Ella & Louis dan Ella & Louis Again mendefinisikan apa itu duet jazz. Sama halnya, Louis Armstrong Bertemu Oscar Peterson.

Ketika Louis Armstrong diminta untuk mendefinisikan jazz, dia berkata. “Jazz adalah apa yang saya mainkan untuk mencari nafkah.” Hanya sedikit orang yang mencari nafkah sambil memberi begitu banyak kepada begitu banyak orang. Pemahaman bawaannya tentang instrumennya dan bagaimana menggabungkan musiknya dengan vokalnya, semuanya diakhiri dengan kepribadiannya yang besar, membuatnya tak tertahankan bagi jutaan orang di seluruh dunia.

Dari rekaman pertamanya sebagai pemain cornet kedua di band Creole Jazz King Oliver pada April 1923 hingga penampilan publik terakhirnya di Waldorf Astoria di New York City pada Maret 1971, Louis Armstrong selalu mengerti bahwa dia ada di sana untuk “menyenangkan orang”. Warisannya yang tercatat sangat besar dan di tangan Armstrong, materi yang biasa-biasa saja pun sering berhasil menjadi jazz yang hebat.

Baca Juga : 10 Musisi Jazz Wanita Yang Harus Kamu Ketahui

Tetapi ada beberapa orang, terutama mereka yang berusia di bawah ‘usia tertentu’, yang menganggap Armstrong sebagai seorang pria yang menyanyikan ‘It’s A Wonderful World’, sebuah tema film Bond atau ‘Hello Dolly’ – suara dari soundtrack film atau latar belakangnya. melacak iklan TV. Dengan mendengarkan lagu-lagu itu, untuk beberapa lagu yang terlalu sering diputar, mereka telah menemukan warisan musiknya yang kaya, namun masih ada beberapa yang gagal mengenali keahlian bermusik Armstrong yang luar biasa.

Setelah mempelajari keahliannya di buaian jazz dia meninggalkan New Orleans untuk bergabung dengan band King Oliver di Chicago tetapi dia berhenti pada tahun 1924 untuk bermain dengan Fletcher Henderson’s Orchestra di New York City. Henderson merekam untuk pertama kalinya pada musim panas 1921 dan hanya seminggu setelah Louis bergabung, pakaian sebelas potong itu berada di studio New York merekam dua sisi. Seminggu kemudian mereka melakukan empat sisi termasuk ‘Shanghai Shuffle’ yang indah yang diaransemen oleh anggota band, pemain klarinet dan pemain saksofon, Don Redman; Pops tinggal bersama Henderson selama setahun sebelum kembali ke Chicago untuk memimpin bandnya sendiri. Beberapa rekaman terbaik Armstrong dari tahun-tahun awal ini dapat ditemukan di The Ultimate Collection.

Pada bulan November 1925 Louis bersama istri keduanya, Lil, Kid Ory pada trombone, Johnny Dodds pada klarinet dan Johnny St Cyr, pemain banjo berada di studio Chicago untuk merekam. Rekaman OKeh, masing-masing dijual seharga 75 sen, merilis ‘Well I’m in the Barrel’ dan ‘Gut Bucket Blues’; itu adalah awal dari salah satu fase paling menarik dalam sejarah jazz – Hot Fives dan Hot Sevens legendaris Louis Armstrong.

Saat fajar 1929 dia ditagih sebagai Louis Armstrong dan Orkestranya. Pada bulan Maret 1929 Louis dan Orkestranya merekam ‘Knockin’ A Jug’ pada sesi pertamanya dengan musisi hitam dan putih – Jack Teagarden pada Trombone, Happy Caldwell pada saksofon Tenor, Joe Sullivan, piano, Kaiser Marshall pada drum dan Eddie Lang yang brilian. pada gitar. Lagu yang sangat meriah ini dibuat di studio dan merupakan yang terakhir dari apa yang dianggap ‘The Hot Fives and Sevens’.

Pada tahun 1932 Armstrong melakukan tur ke Inggris dan Eropa, bukan musisi jazz besar pertama yang mengunjungi Inggris saat Jimmy Dorsey dan Bunny Berigan melakukan tur pada tahun 1930, tetapi Louis jelas merupakan orang dengan reputasi terbesar di antara musisi dan pecinta ‘Hot Music’. Sepanjang tahun 1930-an reputasi Armstrong menjadi agak ternoda karena rekamannya dianggap aman dan penampilannya dalam film, dalam peran stereotip untuk pemain kulit hitam di Hollywood, tampaknya membawanya lebih jauh dari jazz.

Pada tahun 1939, kesuksesan Armstrong, hanya sedikit yang ada, berasal dari pembuatan ulang karya klasiknya, termasuk ‘West End Blues’ dan ‘Savoy Blues’ serta pendukung New Orleans, ‘When The Saints Go Marching In’. Selama tahun-tahun perang, rekaman Decca milik Armstrong terjual, tetapi tidak laku, dan hanya Hot Fives and Sevens yang dikemas ulang di bawah bimbingan produser George Avakian yang tampaknya cocok dengan penggemar jazz.

Saat perang hampir berakhir, jazz bergerak ke arah yang baru, pemain muda ingin mengubah apa yang mereka pandang sebagai jazz ‘tradisional’ yang bagi mereka tampak membosankan dan membosankan. Louis mempekerjakan beberapa pemain muda ini, termasuk Dexter Gordon yang menjadi salah satu pemain saksofon tenor paling disegani di generasinya.

Empat puluh lima tahun bukanlah waktu yang tepat untuk membuat langkah karir besar, tetapi itulah yang terjadi pada Louis ketika dia memainkan konser penting di Balai Kota di New York pada bulan Mei dengan sekelompok kecil beberapa musisi jazz hebat. Segera dia bermain di Carnegie Hall, tempat bergengsi yang sampai sekarang hanya dia lewati, dengan ‘All Stars – Jack Teagarden, Barney Bigard, Dick Cary, pemain bass Arvell Shaw, Big Sid Catlett dan penyanyi Velma Middleton; dua minggu kemudian mereka berada di Boston’s Symphony Hall, sebuah pertunjukan yang untungnya direkam untuk anak cucu dan dirilis sebagai Satchmo At Symphony Hall.

Selama tahun 1950-an All Stars, dengan personel yang berganti-ganti, secara teratur merekam dengan Armstrong, tetapi dia juga melakukan sesi dengan orkestra studio pada materi pop yang lebih umum yang menampilkan suaranya yang unik. Louis merekam untuk Verve untuk pertama kalinya pada Agustus 1956 untuk merekam duet yang luar biasa dengan Ella Fitzgerald . Kurang dari setahun kemudian dia dan Ella kembali merekam, untuk apa yang menjadi album Ella & Louis Again .

Setelah sesi dengan Ella untuk apa yang menjadi album kedua mereka, ada hari maraton rekaman dengan orkestra yang disutradarai oleh Russell Garcia yang menghasilkan dua album, I’ve Got The World On A String dan Louis Under The Stars . Dengan hanya empat hari istirahat, Louis yang berusia lima puluh enam tahun sekali lagi berada di studio, sekali lagi dengan Ella, merekam Porgy & Bess , bersama dengan Russell Garcia. Sebelum tahun itu berakhir, Pops dan Oscar Peterson merekam album bersama berjudul Louis Armstrong Meets Oscar Peterson . Rekaman hari lengkap dari sesi Oscar Peterson tersedia untuk diunduh hanya sebagai A Day With Satchmo . Ini adalah wawasan yang menarik tentang proses pembuatan catatan.

Selama tahun 1960-an, setelah serangan jantungnya pada tahun 1959, Louis sedikit melambat, tetapi ironisnya saat itulah ia merekam sebagian besar materinya yang paling terkenal, ‘What A Wonderful World’, ‘Hello Dolly’ dan ‘We Have Sepanjang Waktu Di Dunia’.

Baca Juga : Sosok Reverend Gary Davis Menurut Bruce Eder

Pada tanggal 6 Juli 1971 Louis Armstrong meninggal dunia dalam tidurnya di rumahnya di Corona – Lucille, istri keempatnya, menemukannya meninggal di tempat tidurnya. Dua hari kemudian dia terbaring di negara bagian di New York City di mana 25-30.000 pelayat melewati peti matinya. Semua orang dari Jazz hadir di pemakamannya – Peggy Lee menyanyikan Doa Tuhan – setelah itu Louis dimakamkan di Pemakaman Flushing di Queens, hanya beberapa mil dari rumahnya di Corona.

Kehidupan Louis Armstrong bukannya tanpa kontroversi. Dia menikah empat kali, berselingkuh, merokok ‘muggle’ (ganja) selama sebagian besar kehidupan kerjanya dan membuat marah beberapa komunitas kulit hitam yang menuduhnya menjual kepada audiens kulit putih yang mengeksploitasi pendekatan ‘Paman Tom’ untuk hiburan. Kemudian Billie Holliday memberikan pandangan uniknya tentang Armstrong, dengan mengatakan. “Tentu saja Pops tom, tapi dia tom dari hati.”

Fotonya ditampilkan di sampul majalah Time dan Life , sementara Variety menobatkannya sebagai salah satu dari ‘100 Penghibur Teratas’ abad ke-20; Time menghormatinya sebagai salah satu dari 100 orang paling berpengaruh abad ini. Dia adalah orang pertama yang dihormati di Downbeat Jazz Hall of Fame; dia ada di Rock And Roll Hall of Fame dan ASCAP Jazz Hall of Fame. Pada tahun 1972 ia secara anumerta dihormati dengan Grammy Lifetime Achievement Award. Bisa dibilang penghargaan yang mungkin paling dinikmati Louis adalah ketika kota New Orleans mengganti nama bandara internasionalnya dengan namanya.

Louis Armstrong… Penyanyi, Pemain Terompet, Superstar.

10 Musisi Jazz Wanita Yang Harus Kamu Ketahui
Blog

10 Musisi Jazz Wanita Yang Harus Kamu Ketahui

10 Musisi Jazz Wanita Yang Harus Kamu Ketahui, Selama 100 tahun terakhir banyak instrumentalis jazz wanita telah memberikan kontribusi penting untuk genre melalui komitmen mereka untuk bermusik.

Kami mengurutkan 10 yang terbaik, dari pionir awal seperti pianis Amerika Mary Lou Williams, hingga talenta kontemporer seperti pemain saksofon Chili Melissa Aldana.

Toshiko Akiyoshi

Lahir di Manchuria pada tahun 1929, pemimpin band legendaris Jepang Toshiko Akiyoshi mulai bermain piano pada usia enam tahun. Namun, baru pada masa remajanya dia pertama kali mendengar jazz – sebuah rekaman oleh pianis Amerika Teddy Wilson – dan jatuh cinta dengan suaranya. Setelah datang ke AS untuk belajar di Berklee College of Music yang bergengsi di Boston, karier Akiyoshi melesat.

Menurut freddycole.com Pada tahun 1970-an ia mulai memasukkan unsur-unsur Jepang ke dalam suaranya – sebuah kontribusi unik untuk jazz yang masih ia kenal hingga saat ini. Akiyoshi adalah wanita pertama yang dinobatkan sebagai “Komposer Terbaik” dan ” Pengaransemen Terbaik” dalam Jajak Pendapat Pembaca Majalah DownBeat dan mendapat penghargaan bergengsi NEA Jazz Masters Award pada tahun 2007.

Terri Lyne Carrington

Dipuji secara luas di kalangan jazz sebagai salah satu drummer jazz kontemporer terbaik saat ini, Terri Lyne Carrington telah memiliki karir musik termasyhur selama sekitar 30 tahun. Dia mulai belajar drum pada usia tujuh tahun dan akhirnya diberikan beasiswa penuh ke Berklee College of Music , di mana dia kemudian diangkat sebagai profesor.

Karir turnya termasuk bekerja dengan legenda seperti Herbie Hancock dan Al Jarreau, sementara karir rekamannya mencakup dua karya pemenang Grammy Award – The Mosaic Project , sebuah kolaborasi dengan segudang artis jazz wanita yang meraup “Album Vokal Jazz Terbaik,” dan rilisan terbarunya Money Jungle: Provocative in Blue , yang memenangkan “Album Instrumental Jazz Terbaik” pada tahun 2013.

Carla Bley

Pianis Amerika, komposer, dan pemimpin band Carla Bley terjun ke jazz dimulai pada masa remajanya setelah mendengar orang-orang seperti Lionel Hampton dan Gerry Mulligan menginspirasinya untuk meninggalkan negara asalnya California ke New York City. Di sana dia mengambil pekerjaan sebagai gadis rokok di klub Birdland yang legendaris untuk mengekspos dirinya ke lebih banyak musik jazz.

Tak lama, Bley membuat musiknya sendiri. Bersama calon suaminya Michael Mantler, ia mendirikan Jazz Composer’s Orchestra, kelompok di balik apa yang dianggap karya paling terkenal Bley. The Escalator Over the Hill , sebuah eksplorasi lintas genre jazz gratis, terdaftar di antara “50 Great Moments In Jazz” The Guardian .

Mary Lou Williams

Almarhum, pianis jazz besar dan komposer Mary Lou Williams benar-benar sosok wanita perintis dalam jazz. Lahir pada tahun 1910, pada usia delapan tahun Williams sudah menjadi musisi yang bekerja, dan sebelum mencapai usia 20-an dia dapat menambahkan bekerja dengan tokoh-tokoh jazz seperti Duke Ellington dan Cotton Pickers McKinney ke resumenya.

Dengan cekatan beradaptasi dengan evolusi jazz selama enam dekade karirnya, Williams kemudian menjadi tokoh terkemuka di bop dan juara dari musisi yang akan datang seperti Dizzy Gillespie dan Thelonious Monk. Sebelum kematiannya pada tahun 1981, Duke Ellington menggambarkan Williams sebagai, “selalu kontemporer. Tulisan dan penampilannya selalu sedikit lebih maju sepanjang kariernya.”

Baca Juga : 12 Musisi Jazz Muda Amerika Yang Perlu Anda Ketahui

Regina Carter

Dipuji oleh pers musik sebagai seorang virtuoso, Regina Carter yang lahir di Detroit adalah pemain biola jazz terkemuka di generasinya. Dilatih sebagai pemain biola klasik sejak usia empat tahun, Carter bermain di Detroit Symphony Orchestra saat masih muda. Namun tidak sampai teman dan penyanyi jazz Carla Cook memperkenalkannya kepada orang-orang seperti Ella Fitzgerald dan Jean-Luc Ponty, Carter jatuh cinta pada jazz.

Pada tahun 2006, Carter dihormati dengan MacArthur Fellowship dengan MacArthur Foundation, menggambarkannya sebagai “ahli biola jazz improvisasi.” Yayasan memuji repertoar genre yang beragam, mulai dari Motown dan bebop hingga musik folk dan dunia – terbukti dalam rilisan 2014 Southern Comfort , sebuah eksplorasi musik folk Selatan.

Melba Liston

Trombin dan arranger perintis Melba Liston dikenal sebagai trombonis wanita pertama yang bermain di band besar yang didominasi pria dari tahun 1940-an hingga 1960-an, tampil di antara orang-orang seperti Gerald Wilson dan Dizzy Gillespie.

Sementara Liston hanya merekam satu album sebagai pemimpin band – Melba Liston dan Her ‘Bones pada tahun 1958 – sepanjang karirnya sebagai arranger dan komposer, dia membuat banyak kontribusi penting untuk musik, termasuk kolaborasi kreatif lama dengan pianis jazz Randy Weston. Ini menelurkan albumnya yang mendapat pujian kritis The Spirits of Our Ancestors . Meskipun stroke pada tahun 1985 membuatnya tidak dapat bermain, Liston melanjutkan karirnya sebagai arranger dan mendapat penghargaan NEA Jazz Masters Award 1987 sebelum kematiannya pada tahun 1999.

Vi Reddo

Lahir di Los Angeles pada tahun 1928, keluarga musik alto saxophonist Vi Redd – ayahnya adalah drummer Alton Redd, seorang tokoh terkemuka di kancah jazz Central Avenue LA, dan bibi buyutnya adalah musisi dan guru terkenal Alma Hightower – mengeksposnya ke jazz dari usia dini.

Bersama Mary Lou Williams dan Melba Liston, dia dianggap sebagai salah satu pelopor awal musik jazz wanita, yang, meskipun genrenya didominasi pria, lebih dari membuktikan nilainya bermain dengan pria sezaman seperti Dizzy Gillespie dan Count Basie. Pada tahun 1989, Los Angeles Jazz Society menghormati Redd dengan Lifetime Achievement Award, dan pada tahun 2001 dia diakui dengan Mary Lou Williams Women in Jazz Award.

Melissa Aldana

Pemain saksofon tenor Chili Melissa Aldana mulai bermain pada usia enam tahun di bawah didikan ayahnya Marcos Aldana, juga seorang pemain saksofon ulung. Pada usia 16 tahun, dia menjadi penampil utama di klub-klub di negara asalnya Santiago sebelum karirnya membawanya ke Berklee College of Music di Boston.

Setelah lulus, pindah ke New York City melihat rekaman album debut Aldana, Free Fall , dan serangkaian pertunjukan di tempat dan acara terkenal seperti Blue Note Jazz Club dan Monterey Jazz Festival . Pada tahun 2013, Aldana mencapai tempat dalam sejarah jazz ketika ia menjadi wanita pertama dan musisi Amerika Selatan pertama yang memenangkan Kompetisi Saxophone Jazz Internasional Thelonious Monk yang bergengsi .

Emily Remler

Emily Remler yang lahir di New York City dan dibesarkan di New Jersey adalah gitaris otodidak yang pertama kali terjun ke instrumen adalah memainkan musik rock dan blues legenda seperti Jimi Hendrix dan Johnny Winter. Menemukan gitaris seperti Charlie Christian dan Wes Montgomery saat belajar di Berklee College of Music mengubahnya menjadi jazz.

Setelah pindah ke New Orleans, pertemuan dengan Herb Ellis, yang sangat dia kagumi, membuatnya diundang untuk bermain di Concord Jazz Festival, yang pada gilirannya membuatnya menandatangani kontrak dengan Concord Records dan merilis album debutnya, Firefly , pada 1981. Sayangnya, Remler meninggal pada usia muda 32 tahun. Namun warisannya tetap hidup, dengan kritikus jazz Gene Lees menyatakannya sebagai “pemain yang sangat berani.”

Baca Juga : Thelonious Monk Sphere Musisi Jazz Terkenal Amerika

Mimi Fox

Digambarkan oleh Jazz Times sebagai “a remarkably accomplished straight ahead player with flawless time, pristine execution, serious chops, a keen ear for re-harmonization and an inner urge to burn,” Mimi Fox yang berbasis di San Francisco pertama kali mulai bermain gitar pada usia dari 10. Selama 30 tahun karirnya, dia tampil dan merekam dengan legenda dan bakat kontemporer termasuk Charlie Byrd dan Terri Lyne Carrington.

Di samping sejumlah penampilan tamu album, Fox juga telah merilis 10 album sebagai pemimpin band, termasuk album 2006 yang mendapat pujian kritis Perpetually Hip, dipuji oleh San Francisco Chroniclesebagai karya agungnya. Seorang pendidik setia, Fox menginspirasi generasi muda gitaris sebagai profesor di California Jazz Conservatory .

12 Musisi Jazz Muda Amerika Yang Perlu Anda Ketahui
Berita

12 Musisi Jazz Muda Amerika Yang Perlu Anda Ketahui

12 Musisi Jazz Muda Amerika Yang Perlu Anda Ketahui, Banyak pakar musik, penggemar jazz, atau tahu tentang legenda jazz Amerika seperti Miles Davis dan Thelonious Monk, tetapi generasi baru seniman membawa bakat baru yang menyegarkan ke genre ini. Dari kesuksesan besar artis seperti Freddy Cole, Gregory Porter dan Esperanza Spalding, hingga talenta baru seperti pianis Aaron Diehl, kami mengungkap musisi jazz muda Amerika terbaik.

Gregory Porter

Menurut freddycole.com Dipuji oleh NPR Music sebagai “the next great male jazz singer” penyanyi dan penulis lagu kelahiran California, Gregory Porter memulai karir musiknya lebih dari 20 tahun yang lalu, meskipun tidak sampai dia pindah ke New York City dan tampil secara teratur di St. Louis yang legendaris di Harlem.

Nick’s Pub yang karirnya benar-benar melejit. Porter merilis album debutnya, Water , diproduksi oleh pianis jazz dan pemain saksofon Kamau Kenyatta, pada 2010 dan album ketiganya, Liquid Spirit , meraih Grammy Award untuk Album Vokal Jazz Terbaik pada 2013, memperkuat posisinya sebagai legenda jazz masa depan.

The Hot Sardines

Dibentuk di Manhattan oleh penduduk asli New York City Evan “Bibs” Palazzo dan chanteuse kelahiran Paris “Miz” Elizabeth Bougerol, The Hot Sardines adalah grup musisi berbakat yang mengambil inspirasi dari jazz Amerika awal dan musik hebat seperti Thelonious Monk, Django Reinhardt , dan Billie Holiday di antara pengaruh mereka.

Dipuji oleh Majalah Forbes sebagai “salah satu band jazz terbaik di NYC hari ini,” The Hot Sardines telah memainkan pertunjukan yang terjual habis di Joe’s Pub yang terkenal di New York dan tampil di Montreal International Jazz Festival. Pada Juni 2016, band ini merilis album kedua mereka, French Fries & Champagne .

Esperanza Spalding

Portland, penyanyi jazz kelahiran Oregon, bassis, dan pemain cello Esperanza Spalding menunjukkan bakat luar biasa sejak usia dini bermain biola dengan Chamber Music Society of Oregon. Dia meledak ke kancah musik jazz Amerika dengan merilis album debutnya Junjo pada tahun 2006, menerima ulasan yang baik dari orang-orang seperti kritikus New York Times Ben Ratliff.

Sejak itu, Spalding telah memenangkan beberapa Grammy termasuk Artis Baru Terbaik 2010—musisi jazz pertama yang dianugerahi gelar ini—dan Album Vokal Jazz Terbaik untuk Radio Music Society 2012 . Album studio kelimanya, Emily’s D+Evolution, dinyanyikan melalui alter ego Emily, nama tengah Esperanza, dan telah menerima pujian kritis luas sejak dirilis pada Maret 2016.

Baca Juga : Wawancara Dengan Putri Kembar Nat King Cole Adik Musisi Jazz Freddy Cole

Robert Glasper

Pianis dan produser jazz Robert Glasper mungkin bukan musisi jazz khas Anda, mengingat perpaduan genre dengan gaya seperti R&B dan hip hop, namun penggabungan genre yang cekatan membuatnya menonjol di antara orang-orang sezamannya. Pada pertengahan 20-an, Glasper telah tampil dengan musisi jazz hebat termasuk Terence Blanchard dan Christian McBride dan serangkaian album yang diakui, termasuk Double-Booked (2009) yang dinominasikan Grammy menegaskan bintangnya yang sedang naik daun.

Rilisan Glasper 2012 yang dihormati, Black Radio, menunjukkan bakatnya dalam jazz fusion dan meraih Grammy untuk album R&B Terbaik pada 2013. Pada Mei 2016, Glasper merilis album barunya, Everything’s Beautifu l, yang me-remix beberapa lagu Miles Davis dari lemari besi Columbia/Legacy dan menampilkan daftar kolaborator A-list.

Cecile McLorin Salvant

Lahir dari ibu Prancis dan ayah Haiti di Miami, Florida, Cécile McLorin Salvant bernyanyi dan bermain piano klasik sebelum dia mencapai usia 10 tahun. Kepindahannya ke Prancis pada 2007 membuatnya belajar improvisasi dan repertoar vokal di bawah reedist yang disegani Jean-François Bonnel.

Sukses mengikuti rekaman album debutnya, Cécile, pada 2009, memenangkan Kompetisi Vokal Jazz Internasional Thelonious Monk 2010. McLorin Salvant telah tampil di acara-acara legendaris termasuk Montreal International Jazz Festival dan Detroit Jazz Festival, sementara album ketiganya, For One to Love , memenangkan Grammy untuk Best Jazz Vocal Album.

Marquis Hill

Meskipun dia mulai bermain drum di kelas empat tumbuh di South Side Chicago , saat dia mengambil terompet itulah Marquis Hill benar-benar menemukan ceruknya. Hill telah menjadi penerima penghargaan termasuk Kompetisi Terompet Jazz Internasional Thelonious Monk 2014, dan telah menerima sambutan hangat dari orang-orang seperti New York Times , yang memuji dia sebagai “pemain terompet yang sangat terampil.” Album 2016 miliknya, The Way We Play , dirilis di Concord Records.

Melody Gardot

Melody Gardot yang dinominasikan Grammy memulai karirnya pada usia dini bermain bar di kota kelahirannya Philadelphia pada usia 16 tahun. Namun, baru setelah kecelakaan mobil parah di akhir masa remajanya, dia mulai menulis lagunya sendiri. , yang menurut penyanyi dan pianis membantunya dalam pemulihannya yang panjang. Album debutnya tahun 2008 Worrisome Heart , yang diproduksi bersama oleh produser terkenal Glenn Barratt, menetapkan gaya khasnya yang edgy, menggugah, dan intim. Hari ini musisi dikenal karena kehadiran panggungnya yang dramatis dan misterius. Sekarang dalam empat album, Gardot telah muncul di acara-acara termasuk Brighton’s Love Supreme Jazz Festival .

Mary Halvorson

“Improvisasi yang paling tidak dapat diprediksi di NYC” dan “bakat tunggal” hanyalah beberapa hal yang pers katakan tentang gitaris jazz improvisasi kelahiran Boston, Brooklyn, Mary Halvorson . Setelah belajar di bawah bimbingan multi-instrumentalis jazz terkenal Anthony Braxton di Wesleyan University, Halvorson mulai bermain di New York City dan telah berkolaborasi dengan talenta seperti Marc Ribot, Taylor Ho Bynum, dan Curtis Hasselbring. Halvorson secara teratur tampil di Mary Halvorson Trio bersama bassis John Hébert dan drummer Ches Smith dan album 2013, Illusionary Sea , dengan Mary Halvorson Septet dipuji oleh NPR Music sebagai “usaha paling berani.” Dia telah merilis lima album sejak saat itu.

Aaron Diehl

Pianis Aaron Diehl adalah musisi jazz dengan misi; dia berusaha melintasi batas generasi genre, dan dengan pujian seperti New York Times yang memuji dia sebagai “seorang pianis muda yang cerdas dengan pemahaman yang cermat tentang tradisi jazz,” dia tentu saja membuktikan nilainya. Lulusan Juilliard School dan pemenang Penghargaan Musisi Terbaik Tahun Ini dari Asosiasi Jurnalis Jazz 2013, Diehl telah melakukan tur dengan Wynton Marsalis Septet dan rilisan terbarunya, Space Time Continuum , telah menerima pujian kritis luas untuk campurannya gaya jazz historis dan kontemporer.

Tivon Pennicott

Berasal dari Marietta, Georgia, Tivon Pennicott mulai bermain saksofon tenor di sekolah menengah, dan pada awal usia 20-an telah bekerja dengan gitaris jazz legendaris Kenny Burrell dan tampil di tempat-tempat terkenal seperti Yoshi’s Jazz Club San Francisco . Pennicott telah bermain di album pemenang Grammy termasuk album pelarian Gregory Porter Liquid Spirit dan Radio Music Society milik Esperanza Spalding , dan memenangkan tempat kedua di Kompetisi Saxophone Jazz Internasional Thelonious Monk 2013. Dipuji karena keuletan dan daya ciptanya sebagai pemain saksofon, Pennicott merilis album debutnya Lover of Nature pada akhir 2014.

Baca Juga :  Thelonious Monk Sphere Musisi Jazz Pianis Yang Terkenal

Jamison Ross

Saat ini penduduk tempat kelahiran jazz, New Orleans, drummer pemenang penghargaan Jamison Ross mulai mengasah bakatnya di usia muda bermain di gereja kakeknya. Pada awal usia 20-an, Ross berkolaborasi dengan penyanyi jazz legendaris Amerika seperti Carmen Lundy, dan sejak itu bekerja dengan orang-orang sezaman termasuk Jon Batiste dan Cécile McLorin Salvant. Dengan misi yang jelas dalam pikiran untuk membawa suara yang menyenangkan dan penuh perasaan ke musiknya, Ross menandatangani kontrak dengan Concord Jazz dan merilis album debut self-titled-nya pada tahun 2015.

Kendrick Scott

Tumbuh di Houston, Texas mendengarkan genre yang beragam seperti gospel, R&B, dan klasik, pengembaraan Kendrick Scott dimulai pada usia delapan tahun ketika orang tuanya memberinya sebuah drum kit. Dedikasi dan bakatnya membuatnya dianugerahi tempat di Sekolah Menengah Atas yang bergengsi di kota asalnya untuk Seni Pertunjukan dan Visual. Karirnya kemudian termasuk tur dengan legenda seperti Herbie Hancock dan Terence Blanchard. Pada 2007, ia mendirikan kolektif musiknya, Kendrick Scott Oracle, yang debut ambisiusnya pada 2007 The Source diikuti oleh Conviction pada 2013.

Wawancara Dengan Putri Kembar Nat King Cole Adik Musisi Jazz Freddy Cole
Berita

Wawancara Dengan Putri Kembar Nat King Cole Adik Musisi Jazz Freddy Cole

Wawancara Dengan Putri Kembar Nat King Cole Adik Musisi Jazz Freddy Cole, Apakah ada lagu yang lebih sempurna untuk menyambut musim Natal selain Lagu Natal karya ikon Nat King Cole ? Tanyakan hampir semua orang pendapat mereka dan jawabannya sangat mirip, “Saya suka lagu itu.” suara Biola yang lembut menjalin senar sutra dari akord seperti mimpi, dalam emosi, dengan lembut membawa kita nostalgia. Namun, entah bagaimana kita menemukan resonansi.

Menurut freddycole.com lebih dari 50 tahun yang lalu, “The Christmas Song” tetap menjadi lagu klasik abadi yang dicintai secara universal, tetapi itu adalah takdir yang disempurnakan dari lirik Wells dan Torme, vokal bariton Cole yang menenangkan, dan aransemen Nelson Riddle yang luar biasa, selamanya terukir dalam jiwa kita yang membuat kita benar-benar percaya bahwa rusa benar-benar tahu cara terbang. Meskipun banyak versi telah diproduksi, tidak dapat disangkal bahwa aslinya tidak dapat dilampaui. Setelah mendengar The Christmas Song untuk pertama kalinya, berapa pun usianya, lagu itu secara naluriah diakui sebagai ahli.

Cole, orang Afrika-Amerika pertama yang menjadi pembawa acara serial televisinya sendiri pada tahun 1956 awalnya menjadi terkenal sebagai pianis jazz yang memukau. Dalam percakapan baru-baru ini dengan sesama pianis dan ikon jazz, Monty Alexander berbagi dengan saya, “Pusing (Gillespie) pernah memberi tahu saya bahwa pengiring favoritnya di dunia jazz adalah Nat Cole.”

Namun, Cole tidak salah lagi dikenal di seluruh dunia sebagai salah satu seniman musik terbesar sepanjang masa karena suaranya yang luar biasa, yang pernah didengar menjadi “tak terlupakan.” Artikulasinya yang sempurna dan nada sempurna yang menurut Riddle, arranger ikonik Capitol Records untuk artis seperti Frank Sinatra, Ella Fitzgerald, dan Judy Garland, “Nat Cole memiliki apa yang mereka sebut nada absolut…dia bisa mendengar nadanya. Kebanyakan, ketika Anda menulis aransemen, Anda menggunakan pengantar karena dua alasan, satu untuk mengatur suasana lagu dan yang lainnya untuk memberi nada pada penyanyi. Nat bisa menyanyikan 30 lagu berturut-turut karena dia tahu nadanya. Dia tidak perlu diperingatkan tentang itu, itu semua ada di kepalanya. ”

Namun, bukan hanya pesona “The Christmas Song” yang membawa ketenaran internasional Cole … Vokal seperti beludru Cole secara elegan membungkus diri mereka sendiri di seluruh pita fantasi romantis dengan serenade melodi seperti “Stardust,” “Nature Boy,” “Autumn Leaves ,” “Yang Sangat Memikirkan Anda,” “Terlalu Muda,” dan tentu saja “Tak Terlupakan . ”

Lahir pada tahun 1961, tahun yang sama dengan rilis “The Christmas Song’s” versi paling populer, saya mendapat hak istimewa untuk mewawancarai Casey dan Timolin Cole, putri kembar Maria, (yang berasal dari Cambridge, MA) dan Nat King Cole tentang pengalaman sebagai putri ikon, seni ayah mereka yang berlebihan, serta warisan abadinya.

CC: Pertama, meskipun sudah empat tahun yang lalu, izinkan saya mengambil kesempatan untuk menyampaikan belasungkawa atas meninggalnya adik Anda Natalie.

Casey : Terima kasih.

Timolin : Terima kasih.

CC: Apakah menurut Anda ayah Anda tahu bahwa “Lagu Natal” menjadi hit?

Casey : Saya tidak berpikir begitu. Ini sangat sederhana dan klasik abadi. Saya tidak berpikir dia tahu itu ketika dia dan Mel (Torme) duduk dan memainkannya. Dia mungkin berharap yang terbaik. Saya pikir dia adalah seseorang yang secara intuitif tahu apa yang akan berhasil, apa yang akan beresonansi dengan orang-orang dari seluruh dunia. Anda tahu ketika mereka mengatakan tetap sederhana? Ini tidak terlalu rumit. Ini berbicara tentang dunia cinta dan kebersamaan dan keluarga.

Baca Juga : Sejarah Newport Jazz dan Gerakan Hak Sipil

Timolin : Dia memiliki intuisi yang luar biasa tentang memilih lagu yang dia tahu akan melekat yang akan menjadi klasik abadi selamanya. Saya ingat “Nature Boy” dan “Mona Lisa” adalah dua yang dia pilih dan langsung tahu. “Mereka akan menjadi hits,” saya ingat Will Friedwald mengatakan itu.

CC: Sebagai anak-anak, kapan Anda menyadari kecemerlangan ayah Anda? Kapan Anda menyadari bahwa dia adalah seorang ikon?

Casey : Saya pikir mungkin ketika kita akan pergi ke sekolah, bukan begitu kata Tim?

Timolin : Ya…

Casey: Kami bersekolah di sekolah swasta di San Fernando Valley, The Buckley School. Anda memiliki beberapa anak selebriti yang hadir. Kami satu sekolah dengan Mike Landon. Salah satu teman tersayang kami masih putri mendiang Vincent Price, Victoria; Putra Clark Gable, John; John Allen, keluarga Disney. Maksud saya, itu terus dan terus. Setiap anak lain di kelas satu kami adalah Landon atau Cole, dan itulah hidup kami. Ini dimulai dengan orang tua teman-teman kami berkata, “Oh, aku mencintai ayahmu … oh kamu kembar … ya Tuhan, kami tidak tahu dia punya anak kembar!”

Timolin : …dan cerita-cerita-dan benar-benar mereka akan mulai menangis.

CC: …Benarkah?

Timolin : Ya! Ya! Mereka sangat tersentuh oleh siapa dia tidak hanya sebagai seniman tetapi sebagai pribadi, dan mereka menyadari bahwa kami berusia tiga tahun ketika dia meninggal, jadi mereka akan mulai berbicara dengan kami. Itu adalah orang-orang yang mengenalnya secara pribadi. Mereka akan mulai menceritakan kepada kami cerita tentang betapa hebatnya dia. Jika seseorang yang mengenalnya secara profesional, mereka akan mulai berbicara kepada kami tentang orang luar biasa yang bekerja dengannya sebagai seniman. Jika seseorang yang hanya menyukai musiknya, seorang penggemar, mereka akan berbicara tentang tarian pertama mereka di pernikahan mereka dengan “Unforgettable” dan apa artinya bagi mereka. Jadi, semua elemen berbeda tentang dia inilah yang sangat kami nikmati karena kami tidak mengenalnya, jadi sangat menyenangkan mendengar siapa dia dari orang yang berbeda.

CC: Apakah itu mengejutkan Anda saat pertama kali terjadi? Pertama kali seseorang benar-benar menangis, apakah Anda mengerti apa hubungannya?

Casey : Saya pikir begitu – saya pikir begitu. Ibu kamilah yang akan selalu berbicara tentang ayah kami – siapa dia, dan apa artinya dia bagi banyak orang. Dia adalah seorang pelopor dan saya tidak berpikir kita akan pernah menyadarinya, jelas cerita yang akan diceritakan ibu kita, tetapi sekali lagi, selalu reaksi orang-orang yang benar-benar menyentuh.

CC: Apa hal paling penting yang dikatakan kepada Anda tentang ayah Anda?

Casey: Cara dia membuat mereka merasa. Saya tidak akan pernah melupakan wanita yang satu ini, “Seolah-olah dia bernyanyi untuk saya,” histeris, dia berkata, “Saya lupa bahwa suami saya bahkan duduk di sebelah saya!” Dia mengatakan dia memiliki cara ajaib untuk membuat Anda merasa seolah-olah Anda adalah satu-satunya di ruangan itu, dan cara yang luar biasa bagi seorang wanita untuk merasakannya! Jadi itu adalah salah satu hal paling berkesan dan menyentuh yang pernah dikatakan seseorang kepada saya tentang ayah, dia bernyanyi untuk Anda dan hanya sedikit artis yang bisa menyampaikannya. Ada seniman dengan suara yang luar biasa tetapi, ketika Anda merasa ada koneksi yang dapat Anda hubungkan dengannya, dan apa yang dia pikirkan, seperti perasaan satu lawan satu ini. Dalam pengaturan langsung ini, itu cukup mengesankan. Memori semacam itu tidak memudar, ia tetap ada; itu tetap ada – dan ini adalah 70, 80,

Timolin : Saya ingat orang-orang, semua seniman hebat ini, berkata, dia memindahkan gunung. Dia adalah bintang pop internasional. Dia di seluruh papan contoh musik menjadi bahasa universal. Dia menyatukan orang-orang dengan musiknya dan itulah dia sebenarnya. Melalui semua itu, saya ingat seseorang berkata, ayahmu mengilhami kerendahan hati. Dia adalah pria yang rendah hati, rendah hati, dan benar-benar jiwa yang hebat. Saya selalu menyukai kutipan yang menggambarkan dia: “Kerendahan hati bukanlah memikirkan diri sendiri, tetapi memikirkan diri sendiri,” dan bagi saya, itulah yang dia wujudkan.

CC: Ketika dia muncul di televisi, ada rasa percaya diri yang tenang dan terpancar. Kedengarannya kontradiktif, tetapi begitulah yang dia temukan. Apakah itu datang secara alami padanya?

Timolin : Secara artistik itu ada dalam DNA di jiwanya, ketika dia duduk di depan piano. Harry Connick Jr. berkata, “Tuhan hanya meletakkan tangannya di atas kepalanya dan berkata bahwa Anda akan menjadi orang yang memiliki suara ini.” Semua itu untuk mengatakan dia adalah orang itu. Jari-jarinya bergerak secara ajaib melintasi tuts-tuts hitam dan putih itu, tetapi ketika sampai pada kehadirannya di panggung, saya pikir banyak hal yang berkaitan dengannya. Ibu, dia tidak pernah, tidak pernah mengambil pujian untuk itu dan dia tidak akan pernah untuk siapa dia secara artistik, tetapi dia memiliki banyak hubungannya dengan ketenangan, dan keanggunan dan kecanggihan yang dia kembangkan di atas panggung, semua itu bisa dikatakan itu alami.

Casey : Sebagai tambahan, apa yang mendefinisikan, saya pikir, kebesaran dan kesuksesannya yang luar biasa, orang-orang suka mengatakan, ya, dia adalah pianis jazz terhebat sepanjang masa, tetapi bukan itu yang sebenarnya mendefinisikannya. Itu adalah suaranya. Suaranya cair. Itu cair – itu sangat menenangkan dan nada suaranya sempurna. Ketika Anda melihatnya di atas panggung, ada kata yang sering digunakan orang, “santai.” Dia sangat santai. Dia menenangkanmu, dia hanya membuatmu santai. Saya pikir paman kita Freddy Cole mengatakan itu. Itu kembali ke apa yang dikatakan wanita itu. “Ini seperti mantra sihir yang dilemparkan padaku.” Dia memiliki itu, dia sangat menghipnotis dan Anda tidak bisa mempraktikkannya. Anda tidak bisa belajar itu, Anda hanya itu.

CC: Ayahmu meninggal ketika kamu berdua 3. Ketika kamu bertambah tua, pernahkah kamu mengalami situasi di mana kamu merasa ayahmu ada di sekitarmu?

Casey : Oh ya, tentu saja – itu sering terjadi.

Timolin : Yah ada satu contoh, dan itu biasanya terjadi ketika Casey dan saya bersama. Kami berada di suatu tempat di sebuah restoran dan kami sangat sedih tentang sesuatu. Itu tenang dan benar-benar, lagunya datang, dan itu sangat lucu, tidak peduli seberapa keras sebuah restoran, ketika musiknya diputar, bagi saya itu sangat dikenali. Ayah saya mungkin memiliki salah satu suara yang paling diingat dan dikenali sepanjang masa. Anda mendengar tekstur itu. Itu adalah lagu yang tidak kami kenal. Itu bukan salah satu lagu topnya, tapi itu adalah salah satu yang benar-benar berbicara kepada kami seperti, semuanya akan baik-baik saja. Anda tahu, saya sering merasa seperti mendengar suaranya di kepala saya ketika saya benar-benar diam.

Casey : Tentu saja sepanjang tahun ini sangat pahit. Saya belum pernah mendengar “Lagu Natal”. Saat saya mendengar beberapa bar pertama, yang dilakukan dengan sangat indah oleh Nelson Riddle, saya pikir oh Tuhan, musimnya ada di sini, dan saya selalu menangis. Biasanya di dalam mobil, saya akan mengemudi ke mana saja dan saya mulai menangis.

CC: Apakah dia membutuhkan banyak take?

Casey : Tidak. Dia cukup tepat – mari kita selesaikan ini, ini bagus.

CC: Siapa saja orang terkenal di sekitar Anda yang Anda ingat?

Casey : Harry Belafonte. Carol Burnett-

Timolin: Saya akhirnya bekerja untuk Harry Belafonte, saya adalah humasnya. Sudah bertahun-tahun sejak saya melihatnya, wanita tempat saya bekerja sebagai humas membawa saya masuk dan dia adalah salah satu klien kami dan itu adalah hal yang menyenangkan karena dia mengatakan terakhir kali dia melihat saya saat masih bayi. Itu sangat lucu. Pat adalah seorang wanita kulit putih dari North Carolina yang mewakili Harry dan Anda tahu Harry, dia berkata, “Dengar, Anda harus mencarikan saya seorang humas kulit hitam,” jadi Pat mempekerjakan saya dan dia berkata, “Harry, saya punya seseorang yang saya pikir Anda kenal. ,” dan dia tidak memberitahunya siapa itu, dan kami pergi ke apartemennya, batu cokelat ini di sisi barat atas New York. Saya tidak akan pernah melupakannya, dan saya masuk dan dia berkata, “Ya Tuhan!” Ketika kami bekerja bersama, dia hanya akan berbicara sepanjang waktu tentang ayah, betapa hebatnya dia, dan dia dan istrinya berteman dengan ayah dan ibu saya dan dia hanya akan menceritakan kisah-kisah indah tentang mereka berkumpul dan berkumpul. Itu bagus.

Casey : Kami pergi ke rumah Vincent Price, kami sudah mengenal mereka sejak berusia empat atau lima tahun. Kami pergi ke rumah Tuan dan Nyonya Price suatu malam untuk melihat pendaratan di bulan. Vincent Price adalah seorang juru masak gourmet yang hebat. Banyak orang tidak tahu itu. Victoria telah melakukan pekerjaan luar biasa dengan warisan ayahnya. Dia memiliki semua blog yang luar biasa ini. Oh, dia luar biasa! Saya tidak akan pernah melupakan hamburger luar biasa yang dia buat untuk kami dan kami berada di surga. Mereka tidak terasa seperti hamburger biasa. Bagaimana Anda membuat hamburger mewah untuk, untuk apa – kami, berusia lima atau enam tahun? Yang akan kita nikmati? Itu sangat keren. Johnny Mathis adalah pendukung besar organisasi kami, Nancy Wilson – kami berteman selama bertahun-tahun, Diahann Carroll , ini adalah orang-orang di rumah kami.

CC: Tidak akan pernah ada lagi Nat King Cole. Kapan Anda berada di hadapan ikon di mana Anda menjadi saksi keajaiban yang dibandingkan dengan status ayah Anda?

Casey: Bagi saya, dia selalu menjadi fenomena dan akan selalu ada terlepas dari kenyataan yang menyedihkan. Saya kira kita tidak akan pernah tahu tentang Michael Jackson. Maksudku, dia punya itu – dia punya itu. Dia telah mengatur agar saya datang menemuinya. Saya tinggal di LA. Saya bekerja di BMI saat itu. Dia selalu menjadi penggemar berat ayah. Dia berada di lokasi syuting Sony di Culver City syuting “Smooth Criminal,” dan ada meja biliar dan sepatu putih. Saya ingat berjalan di set itu dan saya gemetar! Saya tidak percaya ini – saya tidak percaya ini! Saya akan bertemu Michael Jackson! Karena saya tahu dia adalah penggemar berat ayah, saya membawa CD Natal ayah kami dan saya memberikannya kepadanya dan dia hampir mati. Saya memiliki lantai bawah di ruang tamu saya, foto indah dia dan dia menulis, “Terima kasih Casey, Love, Michael Jackson. Ketika saya melihat mereka merekam video itu, keajaiban itu seperti bermunculan di mana-mana. Rasanya seperti rudal meledak di dalam ruangan! Dia luar biasa! Maksudku, aku percaya dia dirasuki hanya dengan sihir itu dan aku tidak bisa memikirkan banyak orang seperti itu, selain mungkinJudy Garland yang tidak pernah kami temui dengan senang hati, dia memiliki keajaiban itu. Maksudku, aku bisa menonton “The Wizard of Oz” dengan sandal dan celemek itu dan kau masih saja mati; Anda hanya melakukan. Saya pikir Whitney memilikinya, saya pikir saudari kita melakukannya. Mereka juga memiliki hal ekstra itu, pukulan ekstra itu, karisma ekstra itu, kilau itu. Cahaya itu, cahaya itu – ketika mereka meninggalkan ruangan, ruangan itu masih menyala dan Anda masih membicarakannya berbulan-bulan kemudian dan itu adalah ayah kita. Kami masih berbicara tentang dia berapa dekade kemudian, dan orang-orang masih bisa masuk ke momen itu tentang bagaimana perasaan mereka, apa yang mereka kenakan, siapa yang mereka duduki, kecuali wanita yang duduk di sebelah suaminya, anting apa yang mereka kenakan. . Ada sangat sedikit artis atau orang yang bisa membuat Anda merasa seperti itu.

Timolin : Ada beberapa contoh pergi ke konser dan menyadari siapa pun yang saya lihat akan lebih besar dari kehidupan. Saya pikir yang terlintas dalam pikiran adalah, dia masih muda – itu adalah Pangeran. Ruangan itu menyala dan saya ingat saya terpaku dan melihat semua orang terpaku dan mereka tidak duduk di kursi mereka karena mereka semua berdiri di sana dan fokus pada ikon ini. Aku menatapnya seperti, siapa orang ini? Saya sangat kagum dengan kemampuan bermusiknya dan saya berpikir, wow, ini adalah momen yang tepat. Itu benar-benar istimewa untuk hanya menyaksikan karirnya berkembang dan meledak setelah momen itu dan saya ingat sangat bersyukur melihatnya di tunas dan mencintai itu, mencintai siapa dia, misterinya; dia begitu misterius.

CC: Bicara tentang program Anda menghormati warisan ayah Anda, Nat King Cole Generasi Harapan.

Baca Juga : Tutorial Gitar Dari Ernie Hawkins Lagu Reverend Gary Davis ‘Cocaine Blues’

Timolin : Ini dimulai pada tahun 2008. Pelayanan tanpa pamrih adalah sesuatu yang kita semua harus lakukan di beberapa titik dalam hidup kita. Kami pikir ini akan menjadi cara yang sempurna untuk menghormati dan melestarikan musik ayah kami serta memberikan pendidikan musik kepada anak-anak yang membutuhkan, anak-anak yang kurang terlayani dalam komunitas kami dan secara nasional. Misi kami adalah untuk memberikan pendidikan musik kepada anak-anak dengan kebutuhan terbesar dan sumber daya paling sedikit dan itu adalah kebanggaan dan kegembiraan kami. Kami senang bekerja dengan komunitas dengan pemilik bisnis dengan guru dan sekolah untuk membuat program berkelanjutan yang dapat kami tiru di seluruh negeri. Kami adalah organisasi kecil, kami adalah badan amal publik. Kami memiliki program perbaikan instrumen. Kami memiliki program Summer Strings yang melibatkan anak-anak di daerah mereka datang ke Universitas Lynnyang merupakan konservatori. Delapan puluh lima anak memainkan alat musik gesek dan ini adalah program dua minggu di mana mereka diberikan bimbingan yang luar biasa. Ini adalah perkemahan musim panas. Kami memiliki klinik jazz yang baru saja kami mulai di Florida Atlantic University . Sumber daya kami adalah melalui pendanaan. Kami mendapatkan hibah untuk menjalankan program ini dan tentu saja dari sumbangan perusahaan. Kami mengandalkan publik untuk menjaga organisasi tetap berjalan.

Casey : Kami memiliki beasiswa yang mengirim mahasiswa yang layak ke sekolah. Kami bekerja sangat baik dengan administrator seni dan pendidikan. Mereka membantu kami memeriksa sekolah dan mencari tahu sumber daya apa yang dibutuhkan masyarakat. Kami selalu mencari relawan. Untuk program Summer Strings kami, mereka diinstruksikan dari jam 9 pagi hingga -3 sore. Mereka mengatakan itu setara dengan satu tahun pengajaran jika mereka berada di sekolah dalam periode intensif dua minggu itu. Mereka tidak hanya diberi kesempatan untuk mengalami dan mempelajari kegembiraan musik tetapi mereka melakukannya di Universitas Lynn, sebuah konservatori di lingkungan perguruan tinggi. Ini adalah anak-anak yang dikompromikan secara finansial dengan cara yang berbeda mereka tidak diberi kesempatan besar ini dan ini adalah cara yang bagus bagi mereka untuk merasa baik tentang diri mereka sendiri, mengembangkan dan memahami kekuatan musik, dan belajar. Itu sangat berpengaruh pada kesejahteraan mereka secara keseluruhan dan kami mendengarnya dari orang tua dan itu adalah kepuasan terbesar kami. Setelah mereka keluar dari program mereka seperti, “Ya ampun, anak saya telah belajar banyak, tumbuh begitu banyak!” Ini menakjubkan.

Sejarah Newport Jazz dan Gerakan Hak Sipil
Berita

Sejarah Newport Jazz dan Gerakan Hak Sipil

Sejarah Newport Jazz dan Gerakan Hak Sipil, Berita utama harian mengingatkan kita bahwa bangsa ini masih berjuang dengan warisan perbudakan, dan diskriminasi. Festival Jazz Newport (bersama dengan festival saudaranya, Newport Folk), dirancang sebagai acara pemersatu di mana seniman dan penggemar dapat membebaskan diri dari dunia di sekitar mereka dan sekedar menikmati musik.

Bagaimana Festival Jazz Newport, yang diadakan di benteng masyarakat kulit putih yang memiliki hak istimewa, sebuah kota yang pernah menjadi pusat perdagangan budak yang berkembang pesat, menjadi tempat di mana penghalang dipatahkan, menjadikan Festival sebagai katalisator dalam Gerakan Hak Sipil yang muncul?

Jazz dan Hak Sipil

menurut freddy cole “Jazz,” tulis kritikus Stanley Crouch, “memprediksi gerakan hak-hak sipil lebih dari seni lainnya di Amerika.”

Sejak awal, musik Jazz terhubung dengan perjuangan kesetaraan bagi orang Afrika-Amerika.

Favorit Newport Jazz Louis Armstrong pernah bernyanyi:

“Satu-satunya Dosaku, ada di kulitku

Apa yang saya lakukan, menjadi begitu Hitam dan Biru.”

Pada tahun 1930-an, pemain klarinet Benny Goodman adalah pemimpin band kulit putih besar pertama yang mengintegrasikan bandnya, menolak untuk bermain di area terpisah di negara itu. Duke Ellington mengikutinya, menolak pertunjukan di depan penonton yang terpisah.

Tentu saja, “Buah Aneh” klasik Billie Holiday tahun 1939 yang anti hukuman mati membawa masalah ini ke permukaan. Liriknya (ditulis oleh guru sekolah Kota New York Abel Meeropol), menyandingkan tubuh yang digantung di pohon dengan aroma manis magnolia:

Baca Juga : Musisi Jazz Freddy Cole Adalah Salah Satu Pria Yang Beruntung

“Pohon selatan menghasilkan buah yang aneh,

Darah di daun dan darah di akar,

Tubuh hitam berayun di angin selatan,

Buah aneh yang tergantung di pohon poplar.”

Lagu-lagu seperti ini mempengaruhi Gerakan Hak Sipil yang dimulai pada tahun 1954 ketika Rosa Parks menolak untuk menyerahkan kursinya pada malam Desember di Montgomery, Alabama. Awal tahun itu, Newport Jazz Festival tahunan pertama diadakan.

Newport Jazz dan Hak Sipil

Pada tahun 1950-an, rasisme di New England tidak terlalu mencolok dibandingkan di Selatan, tetapi itu jelas merupakan cara hidup di City by the Sea, yang pernah menjadi pelabuhan perdagangan budak utama. Faktanya, resor pertama Amerika tidak menyambut orang Afrika-Amerika, dan pengaturan hotel menjadi sulit karena kebijakan segregasi yang tidak tertulis (tetapi dipraktikkan secara luas).

Pada Festival Newport Jazz pertama pada tahun 1954, penonton konser hitam dan putih berbaur bersama di atas panggung, di keramaian, dan di sekitar kota – tetapi tidak di sebagian besar hotel, wisma tamu, dan restoran. Akibatnya, ada diskusi untuk memindahkan Festival ke “lingkungan yang kurang picik” seperti Providence atau New York City.

“Newport adalah kota selatan dalam arti tertentu, karena pangkalan angkatan laut. Setidaknya setengah dari petugas berasal dari Selatan. Mereka benar-benar percaya pada segregasi, supremasi kulit putih, mereka tumbuh seperti itu,” kata pendiri Festival George Wein dalam sebuah wawancara tahun 2015.

“Pada tahun pertama Festival, ada keengganan untuk menyewakan kamar hotel kepada orang Afrika-Amerika. Kami harus menempatkan beberapa orang yang muncul di rumah pribadi. Pada tahun kedua, itu telah berubah. Beberapa tahun kemudian, Newport memilih seorang Afrika-Amerika sebagai Walikota kota. Saya pikir kami memiliki efek pada itu, ”jelas Wein. (Pada tahun 1981, Paul Gaines menjadi Walikota terpilih Afrika-Amerika pertama di kota mana pun di Rhode Island.)

Festival ini memupuk kesadaran yang akan mempengaruhi gerakan Hak-Hak Sipil. Wein sendiri, menikah dengan seorang wanita Afrika-Amerika, mencontohkan keadilan sosial dalam kehidupan pribadi dan profesionalnya.

Dalam biografinya yang memenangkan penghargaan Myself Among Others , Wein menulis “integrasi dan hak-hak sipil adalah cara hidup saya. Saya tidak berpartisipasi dalam demonstrasi jalanan atau protes balasan makan siang; Saya telah berada di garis depan pertarungan dalam arti yang lebih pribadi, tidak terlalu konfrontatif.”

“Dalam kasus pribadi saya, saya tumbuh dengan banyak anti-Semitisme di wajah saya, di sekolah saya. Saya menikah dengan Joyce, seorang wanita Afrika-Amerika selama lebih dari 46 tahun; keluarga saya takut pada awalnya bahwa itu akan menghancurkan hidup saya, tetapi bagi saya, itu justru sebaliknya, itu membuat hidup saya. Orang-orang merasa bahwa kami mewakili semacam cita-cita, yang menurut saya kami lakukan.”

Tujuan Wein adalah mengadakan konser yang hebat, tidak harus secara langsung memajukan hak-hak sipil, tetapi dalam prosesnya, dia dan Festival melakukan hal itu. Di New Orleans, tempat ia memproduksi Jazz and Heritage Festival yang terkenal selama bertahun-tahun, praktik rasis jauh lebih meluas.

“Saya diundang ke sana pada tahun 1962, saya bahkan tidak bisa membawa istri saya, karena mereka memiliki undang-undang Jim Crow dan perkawinan campur adalah ilegal. Dan sekarang tentu saja, mereka menamai sebuah gedung dengan nama saya, George and Joyce Wein Jazz and Heritage Center.”

Hak Rakyat dan Sipil

Ada hubungan yang lebih langsung dengan Gerakan Hak Sipil di Festival Rakyat Newport di tahun 1960-an. Pada saat Festival Rakyat dimulai (1959), banyak seniman rakyat terlibat dalam Gerakan.

Wein berbicara tentang hal ini dalam wawancara kami:

“Saya pikir Festival Rakyat, di mana kami membawa kelompok-kelompok seperti CORE (Kongres Kesetaraan Ras) dan SNCC (Komite Koordinasi Non-Kekerasan Mahasiswa) ke kota, adalah bagian dari Gerakan besar. Ketika kami akan menyanyikan “We Shall Overcome” sebagai penutup, Anda memiliki 20.000 orang di luar sana yang bergabung.”

Baca Juga : Salah Satu Pembuat Gitar Reverend Gary Davis Akan Pensiun

“Hal berikutnya yang Anda tahu, Presiden Lyndon Johnson mengatakan ‘Kami Akan Mengatasi’ dalam sebuah pidato.” (Johnson menggunakan frasa itu dalam pidato tahun 1965 untuk mendukung Undang-Undang Hak Voting.)

Wein, yang dihormati oleh Jimmy Carter pada tahun 1978 dan Bill Clinton pada tahun 1993, dengan rendah hati mengetahui lagu tidak resmi dari Festival Rakyat menjadi begitu menonjol dalam budaya Amerika. Meskipun mungkin tampak tidak penting hari ini, seorang Presiden yang mengutip sebuah lagu daerah cukup luar biasa pada saat itu.

“Aktivitas Festival Rakyat sangat penting bagi saya. Festival adalah sebuah platform dan forum. Peran saya sebagai penyelenggara Festival hanyalah bagian dari perjuangan yang berkelanjutan,” jelas Wein.

Pada akhirnya, kedua Festival tersebut menjadi model untuk keharmonisan ras. Mereka terus melakukannya hari ini, merayakan musik yang hebat, sementara tidak mengabaikan masalah sosial yang tetap berada di garis depan kehidupan Amerika.

Musisi Jazz Freddy Cole Adalah Salah Satu Pria Yang Beruntung
Berita

Musisi Jazz Freddy Cole Adalah Salah Satu Pria Yang Beruntung

Musisi Jazz Freddy Cole Adalah Salah Satu Pria Yang Beruntung, Penyanyi-pianis jazz Freddy Cole adalah tipe penampil yang penampilannya ditunggu-tunggu oleh mereka yang akrab dengan karyanya dan yang seninya dengan cepat menang atas mereka yang tidak.

Kesenian itu didasarkan pada kepekaan jazz yang tidak pernah ketinggalan zaman. Dalam pertunjukan freddy cole, pilihan dari buku lagu Amerika yang hebat disampaikan dengan kegembiraan yang berayun yang menjelaskan bagaimana mereka menjadi begitu populer di tempat pertama — dan mencapai keabadian yang sangat mereka hargai.

“Saya mulai bermain piano ketika saya berusia sekitar 6 tahun, dan satu hal mengarah ke hal lain,” kata Cole, yang berasal dari keluarga musik terkenal. Mendiang vokalis jazz-pop Natalie Cole adalah keponakannya, dan ayahnya – penyanyi legendaris Nat King Cole, yang memulai sebagai pianis jazz – adalah saudaranya.

Baca Juga : Jimmie Noone Salah Satu Musisi Jazz Bertalenta Seperti Freddy Cole

“Merupakan berkah — memang harus — bahwa kami semua dapat mencari nafkah dan membuat musik yang hebat,” kata Cole dari rumahnya di Atlanta. Di antara musisi lain dalam keluarga adalah putranya Lionel Cole, yang ikut menulis lagu hit bersama Mariah Carey “Through the Rain.”

Freddy Cole, 84, telah menjadi artis Jazz di Bistro yang populer. Dia akan kembali ke seri pada hari Rabu untuk pertunangan empat malam, memimpin kuintet termasuk gitaris Randy Napoleon dan pemain saksofon tamu Harry Allen. Seperti di masa lalu, kata Cole, penggemar jazz dapat berharap untuk mendengar lagu-lagu dari “Broadway to the blues.”

Pendengar juga dapat mengharapkan pertunjukan di mana spontanitas menjadi pusat perhatian.

“Saya tidak memiliki daftar yang pasti,” kata Cole, yang karirnya telah berlangsung lebih dari lima dekade. Sebaliknya, dia terus-menerus menduga pada saat suasana hati penonton. Pendekatan seperti itu, katanya, membutuhkan kombo yang setara dengan tantangan untuk mengikutinya ke mana pun dia memilih untuk pergi.

“Hanya perlu sedikit konsentrasi,” kata Cole, dari musisi dengan keterampilan dan kepekaan yang diperlukan. Dari catatan khusus dalam hal itu adalah pemain saksofon Allen, yang dikenal karena mengayunkan tradisi Coleman Hawkins dan Ben Webster dan merupakan pemimpin band dalam dirinya sendiri.

Harry Allen dapat memainkan apa saja dan segalanya — yang merupakan aset hebat,” kata Cole. Sebagai seorang pianis, pengaruhnya termasuk Ahmad Jamal (favorit legenda jazz Miles Davis), Teddy Wilson (yang menemani penyanyi jazz ikonik seperti Billie Holiday dan Ella Fitzgerald) dan Tommy Flanagan (yang bermain bersama pemain saksofon penting John Coltrane dan Sonny Rollins) .

Sebagai penyanyi, Cole adalah pengagum Lena Horne, Al Hibbler dan Arthur Prysock. Tapi vokalis favoritnya, katanya, adalah Billy Eckstine yang hebat. Faktanya, Cole merekam album nominasi Grammy berisi lagu-lagu yang terkait dengan Eckstine, berjudul “Freddy Cole Sings Mr. B” (2010). Eckstine juga seorang pemimpin band era swing yang berpengaruh dan sosok yang selebritinya melampaui lingkaran jazz.

“Dia cukup pria,” kata Cole. “Dia bisa menyanyi, dan dia juga seorang musisi hebat — dia bermain terompet dan sedikit gitar.”

Baca Juga : Tutorial Bermain Gitar Seperti Reverend Gary Davis dari Ernie Hawkins

Salah satu keuntungan menjadi penyanyi jazz, kata Cole, adalah banyaknya materi yang bisa dipilih.

“Ada begitu banyak komposer hebat yang kita miliki di negara ini, sehingga sangat sulit untuk menentukan salah satunya,” katanya. “Anda punya George Gershwin, Anda punya Irving Berlin, Anda punya Duke Ellington.”

Dalam sebuah profesi di mana, seperti yang pernah dikatakan oleh drummer Art Blakey, “Jika Anda tidak muncul, Anda menghilang,” Cole tetap menjadi sumber pesona musik. Mungkin secara sederhana, ia mengaitkan umur panjang kariernya dengan keberuntungan yang sederhana dan kuno.

“Itu hanya salah satu berkat saya,” katanya. “Saya masih belajar sesuatu setiap kali saya bermain.”

Jimmie Noone Salah Satu Musisi Jazz Bertalenta Seperti Freddy Cole
Berita

Jimmie Noone Salah Satu Musisi Jazz Bertalenta Seperti Freddy Cole

Jimmie Noone Salah Satu Musisi Jazz Bertalenta Seperti Freddy Cole, Jimmie Noone adalah salah satu dari tiga besar pemain klarinet New Orleans yang muncul dalam rekaman di tahun 1920-an, memegang rekornya sendiri dengan Johnny Dodds dan Sidney Bechet . Tidak seperti Dodds dan Bechet yang memiliki suara pemotongan, nada Noone lebih lembut, gayanya relatif halus, dan orang dapat mendengar hubungannya dengangaya ayunan Benny Goodman yang akan menjadi dominan satu dekade kemudian. Ironisnya, meskipun bekerja dengan mantap sepanjang hidupnya dan pada akhirnya lebih berpengaruh, dia tidak setenar dua lainnya dan cenderung sedikit diremehkan dalam buku-buku sejarah jazz.

Ia lahir pada 23 April 1895 di Cut Off, Louisiana di sebuah peternakan keluarga yang berjarak sepuluh mil dari New Orleans. Tumbuh di Hammond, Louisiana, Noone mulai bermain gitar ketika dia berusia sepuluh tahun. Ketika dia berusia 15 tahun dia pindah bersama keluarganya ke New Orleans. Tertarik dengan dunia musik Crescent City, Noone segera mulai mengambil pelajaran klarinet dengan Lorenzo Tio Jr. dan Sidney Bechet (yang baru berusia 13 tahun).

Tidak seorang pun berusia 18 tahun ketika dia mulai bermain secara profesional, menggantikan Bechet dengan band kornetis Freddie Keppard pada tahun 1913. Dia adalah bagian penting dari kancah jazz New Orleans hanya selama empat tahun. Pemain klarinet memperoleh pengalaman bekerja dengan Keppard, membentuk Young Olympia Band dengan cornetist Buddy Petit , memainkan pekerjaan dengan Kid Ory dan Oscar Celestin , dan memiliki trio dengan piano dan drum, kombinasi instrumental yang agak tidak biasa untuk New Orleans di era itu .

Menurut freddycole.com Ketika distrik Storyville di New Orleans ditutup oleh militer pada tahun 1917, Noone mulai mencari pekerjaan di tempat lain. Dia bergabung dengan Orkestra Kreol Asli Keppard , bermain di sirkuit vaudeville selama satu tahun termasuk tampil di Chicago untuk pertama kalinya. Setelah beberapa bulan kembali ke New Orleans, pada musim gugur 1918 ia menetap secara permanen di Chicago, pada awalnya bekerja dengan band bassis Bill Johnson. Dia belajar dengan klarinet simfoni Franz Schoepp, meningkatkan tekniknya. Tidak ada yang bekerja untuk sebagian besar tahun 1919-20 di Royal Garden Cafe dengan grup yang terdiri dari King Oliver , Bill Johnson dan drummer Paul Barbarin . Kebetulan, baik Barbarin dan Keppard adalah saudara iparnya.

Jimmie Noone membuat debut rekamannya (seperti yang dilakukan oleh banyak musisi jazz Afrika-Amerika top) pada tahun 1923. Pada musim gugur Noone merekam dengan Harmony Syncopators milik Ollie Powers (memotong tidak kurang dari lima versi rilis ” Play That Thing “) dan mungkin pada empat gelar sebagai pengganti Johnny Dodds dengan King Oliver’s Jazz Band antara lain “ Chattanooga Stomp ” dan “ Camp Meeting Blues ”; beberapa berspekulasi bahwa Buster Bailey mungkin ada di beberapa nomor tersebut.

Tetapi periode 1920-26 sebagian besar menemukan Jimmie Noone bekerja setiap malam dengan band dansa Doc Cook yang disebut Orkestra Dreamland-nya mulai tahun 1922. Cook (1891-1958) adalah seorang arranger terampil yang aransemennya memadukan melodi yang kuat dengan titik-titik untuk beberapa lagu panas. solois.

Noone, yang juga bermain alto dan soprano selama era ini, adalah salah satu solois kunci grupnya bersama dengan Freddie Keppard. Sementara sesi pertama Cook pada tahun 1924 direkam dengan buruk dan cukup kuno, tiga sesinya dari tahun 1926 dan empat lagu dari Juni 1927 (ketika Noone kembali sebagai tamu), yang pada rekaman terkadang menggunakan nama Cookie’s Gingersnaps atau Doc Cook dan 14 Dokternya Dari Sinkopasi , berada di level yang lebih tinggi. Sorotan termasuk “ Ini Dia Pria Tamale Panas ,” “ Gula Merah ,” dan “Mama Spanyol.”

Pada tahun 1926, pemain klarinet meninggalkan Doc Cook dan membentuk grupnya sendiri di Klub Apex Chicago yang, meskipun hanya kuintet, disebut Orkestra Klub Apex Jimmie Noone.. Band ini unik untuk saat itu baik dalam instrumentasi dan pendekatan yang diperlukan untuk bermain musik. Terdiri dari Noone, altoist Joe Poston (yang juga pernah bersama Doc Cook), gitar, piano, dan drum (dengan tuba ditambahkan pada pertengahan 1928), garis depan klarinet-alto sax cukup tidak biasa, tetapi ada lebih dari itu. itu. Sebagian besar waktu ketika Noone bermain, apakah itu selama ansambel pembuka atau solonya, dia menyuruh Poston memainkan melodi di belakangnya. Altoist diletakkan selama solo piano dan gitar tetapi sebaliknya menyatakan tema secara keseluruhan. Karena suara dan ide kreatif Noone yang menarik, musiknya tidak pernah berulang dan band memiliki suaranya sendiri.

Baca Juga : Musisi jazz NC Merilis Album Melalui Label Rekaman Legendaris

Sedikit yang diketahui tentang Joe Poston (1895-1942) , yang juga memainkan klarinet kedua dengan Apex Club Orchestra dalam peran yang sama. Rekamannya hanya dengan Noone selama 1928-30 dan sebelumnya di sesi Doc Cook, dan dia bermain di perahu sungai dengan grup Fate Marable . Poston memiliki nada yang atraktif dan selalu mengayunkan melodi dengan kalimat-kalimatnya yang atraktif. Tapi mengapa karirnya tidak melangkah lebih jauh tidak diketahui.

Apex Club Orchestra Jimmie Noone menarik perhatian sejak awal. Di antara dua penggemarnya adalah Benny Goodman dan Maurice Ravel. Goodman, yang masih remaja, lebih menyukai gaya Noone yang halus tetapi berayun daripada gaya Dodds dan Bechet, dan dia belajar sambil mengawasinya. Ravel menyusun Bolero-nya yang terkenal (yang memulai debutnya pada tahun 1928) dan kemudian menyatakan bahwa itu sebagian didasarkan pada improvisasi bahwa dia mendengar Noone bermain.

Sementara dia membuat rekaman dengan Cook dan dua sesi (masing-masing satu pada tahun 1926 dan 1927) dengan penyanyi Lillie Delk Christian dan gitaris pacarnya Johnny St. Cyr , Jimmie Noone benar-benar dapat dikatakan telah muncul pada rekaman yang sepenuhnya terbentuk pada 16 Mei, 1928, sesi pertamanya dengan Apex Club Orchestra. Tahun itu dia sangat beruntung memiliki Earl Hines sebagai pianisnya bersama dengan Bud Scott pada banjo dan gitar, drummer Johnny Wells dan, dimulai dengan tanggal 23 Juli, Lawson Buford pada tuba (digantikan oleh Bill Newton mulai dari sesi 6 Desember) . Sementara Hines merekam beberapa permata dengan Louis Armstrongpada periode yang sama, pertunjukan malam regulernya adalah di Apex Club. Istirahatnya yang menantang waktu dan solo “gaya terompet” adalah aset utama bagi grup Noone, sering kali dibintangi bersama dengan pemain klarinet.

Rekaman Noone pada tahun 1928 penuh dengan permata termasuk ” I Know That You Know ,” waktu yang baik ” Four Or Five Times ” (yang dinyanyikan Noone dan Poston bersama-sama). ” Every Evening ,” ” Apex Blues ” yang berkesan dan menarik , ” ” Oh, Sister Ain’t That Ho t , ” ” A Monday Date ” Hines , ” dan lagu yang diperkenalkan Noone belasan tahun sebelum Nat King Cole merekamnya sebagai hit pertamanya, ” Sweet Lorraine ,” yang menjadi lagu temanya.

Juga pada tahun 1928, Noone adalah bagian dari sesi Kristen Lillie Delk lainnya (satu-satunya kesempatannya untuk merekam dengan Louis Armstrong setelah tahun 1923) dan merekam ” I Ain’t Got Nobody ” dengan Hines dan Bud Scott pada fitur untuk penyanyi Stovepipe Johnson. Tetapi dibandingkan dengan pemain top New Orleans lainnya, Noone hampir tidak pernah lepas, bertahan dengan bandnya sendiri yang bekerja secara teratur. Sementara pemain kornet George Mitchell dan pemain trombon Fayette Williams ditambahkan untuk sesi tanggal 27 Desember 1928 (termasuk “ Ini Ketat Seperti Itu ”), itu hanyalah keberangkatan sementara dari instrumentasi sextet. Hines telah pergi saat itu untuk membentuk band besarnya sendiri. Setelah kunjungan singkat oleh Alex Hill , Zinky Cohn menjadi pianis baru band pada tahun 1929.

Zinky Cohn (1908-52) memiliki perbedaan yang terdengar persis seperti Earl Hines . Sementara sebagian besar pianis tahun 1930-an yang dipengaruhi oleh Hines (seperti Joe Sullivan dan Jess Stacy) mampu meniru oktaf dering yang ia mainkan dengan tangan kanannya, mereka tidak berusaha untuk meniru jeda yang sangat menantang yang diambil Hines saat ia sebentar berhenti menyatakan ketukan dengan tangan kirinya. Cohn adalah pengecualian, dan berpotensi sama sembrono dan menggairahkan seperti Hines. Seperti halnya Poston, sulit untuk memahami mengapa karirnya tidak melangkah lebih jauh.

Dia memulai debutnya di rekaman dengan Noone pada tanggal 21 Juni 1929 ” Anything You Want ,” berada di rekaman klarinet sampai tahun 1935 dan, meskipun sebelum dia bergabung dengan Noone, dia dianggap sebagai komposer dari “Apex Blues.” Jika tidak, satu-satunya penampilannya di rekaman adalah kencan masing-masing pada tahun 1930 dengan Louisianians dan Harry Dial karya Frankie Franko , dan dua sesi dengan penyanyi Bob Howard pada tahun 1936. Meskipun ia mengunjungi Eropa pada awal 1930-an, Cohn menghabiskan sebagian besar hidupnya di Chicago di mana ia bekerja dengan Erskine Tate , Carroll Dickerson , dan Eddie South , dan terlibat dalam serikat musisi. Tapi mengapa dengan bakatnya dia tidak pernah tampil pada tanggal rekamannya sendiri atau menghabiskan waktu di New York adalah sebuah misteri.

Jimmie Noone berbasis di Klub Apex sampai pendirian ditutup pada tahun 1929 karena pelanggaran Larangan. Tidak seperti banyak musisi jazz Afrika-Amerika yang berbasis di Chicago, Noone tidak pindah ke New York pada akhir 1920-an, dan dia tetap cukup aktif di rekaman sepanjang 1930-an. Dia memiliki pertunangan selama sebulan di Savoy Ballroom pada tahun 1931 dan pada tahun 1935 dia menghabiskan beberapa waktu di New York City ketika dia dan bassis Wellman Braud memiliki usaha yang gagal mencoba menjalankan klub, tetapi sebaliknya dia tetap tinggal di Chicago, bermain di berbagai klub.

Di antara rekaman Jimmie Noone yang lebih baik dari tahun 1929-30 dengan Zinky Cohn adalah ” My Daddy Rocks Me With One Steady Roll ” (menampilkan penyanyi May Alix), ” After You’ve Gone ” (Helen Savage memiliki vokal), ” El Rado Scuffle , ” ” Saya Kehilangan Gal Saya Dari Memphis , ” dan ” San .” Karena sakit, Joe Poston digantikan pada Mei 1930 oleh Eddie Pollack, yang pernah bermain dengan Erskine Tate dan tetap aktif di Chicago hingga 1940-an. Selain alto, Pollack juga menggandakan saksofon bariton sambil mengambil peran Poston memainkan melodi di belakang Noone.

Ada lebih sedikit rekaman untuk Noone selama 1931-35, hanya lima sesi, tetapi mereka menemukan Noone mempertahankan gaya individualnya dan beradaptasi dengan baik dengan evolusi jazz. Mildred Bailey mengambil dua vokal paling awal di set dari tahun 1931, dan Earl Hines ditampilkan pada tanggal reuni tahun itu. Pada akhir 1934, suara band menjadi lebih konvensional tetapi sedikit lebih panas dengan penambahan pemain terompet Jimmy Cobb . Di antara nomor-nomor yang digunakan grup Noone dengan Cobb adalah ” Aku Akan Melakukan Apa Pun Untukmu ” dan ” Bersinar .”

Rekaman terakhir pemain klarinet Chicago pada era itu berlangsung pada 15 Januari 1936, dan disebut sebagai “Jimmie Noone and his New Orleans Band,” sebuah septet bertanduk empat yang mencakup pemain trompet Guy Kelly dan trombonis Preston Jackson. Musiknya, yang disorot oleh “‘ Way Down Yonder In New Orleans ” dan ” Sweet Georgia Brown ,” adalah dixielandish dengan Noone terdengar baik-baik saja.

Seberapa baik gaya Jimmie Noone yang disesuaikan dengan era ayunan dapat didengar selama perjalanan langka ke New York yang menghasilkan tanggal rekor pada 1 Desember 1937. Bergabung dengan terompet remaja Charlie Shavers, altoist Pete Brown, dan empat potong bagian ritme, Noone melakukan remake dari ” Sweet Lorraine ,” ” I Know That You Know ,” ” Apex Blues ” (diberi judul “Bump It”), dan ” Four Or Five Times ” selain merekam empat nomor yang kurang dikenal. Catatan tidak membuat kegemparan tetapi mereka berayun.

Tidak ada yang terus memimpin kombo di Chicago sampai tahun 1943, dan bahkan memiliki band besar berumur pendek, yang menampilkan penyanyi muda dan tidak dikenal Joe Williams pada tahun 1937, 18 tahun sebelum ia menjadi terkenal dengan Count Basie . Pada awal 1940-an, Noone ditampilkan dalam kuartet konvensional yang memamerkan permainannya yang masih layak.

Pada tahun 1943 Jimmie Noone pindah ke Los Angeles. Dia terdaftar untuk sesi empat lagu oleh Capitol Jazzmen, grup all-star yang termasuk Jack Teagarden dan Billy May pada terompet. Tidak ada yang masuk ke uptempo ” Clambake In B Flat ” sangat mengesankan. Juga saat berada di LA, Noone tertangkap untuk satu-satunya waktu di film , memainkan bagian dari “Apex Blues” dan “Boogie Woogie” dengan kuartet di B-movie Block Busters .

Baca Juga : Pendeta Kelahiran Bagian Utara Gary Davis Menyanyikan Pure Religion And Bad Company

Pada awal 1944, Noone mengadakan reuni dengan teman lamanya pemain trombon Kid Ory . Dia setuju untuk menjadi bagian dari band all-star Ory yang akan tampil memainkan nomor unggulan setiap minggu di acara radio Orson Welles. Kelompok pemain veteran New Orleans juga termasuk pemain trompet Mutt Carey , pianis Buster Wilson, gitaris Bud Scott , bassis Ed Garland, dan drummer Zutty Singleton . Meskipun Noone sedikit lebih modern dari musisi lain, dia senang bergabung dalam musik berorientasi ensemble yang menggembirakan.

Meski penampilan tersebut sukses meluncurkan kembalinya Kid Ory, Jimmie Noone tidak ada untuk menikmatinya. Setelah tampil di empat siaran, dia meninggal karena serangan jantung pada 19 April 1944, empat hari sebelum ulang tahunnya yang ke-49. Pada siaran malam itu, Ory dan band dengan berlinang air mata memainkan “Blues For Jimmie.”

Jimmie Noone memiliki tiga anak. Jimmie Noone, Jr. (1938-1991) baru berusia lima tahun ketika ayahnya meninggal. Puluhan tahun kemudian, ia muncul sebagai pemain klarinet jazz yang baik, bekerja pada 1980-an dengan Cheathams (dengan siapa ia membuat lima album), merekam dengan Creole Sunshine Orchestra milik Hal Smith , dan memimpin satu album, sebuah penghargaan untuk musik ayahnya yang disebut Jimmie Mengingat Jimmie . Untuk proyek itu, ia menggunakan sextet dua tanduk dalam tradisi Klub Apex dengan altoist John RT Davies lebih dari 40 tahun setelah ayahnya meninggal. Sayangnya Jimmie Noone, Jr. memiliki masalah kesehatan yang sama dengan ayahnya dan dia meninggal karena serangan jantung ketika dia berusia 52 tahun.

Hampir semua rekaman Jimmie Noone, Sr. dapat ditemukan dan para pendengar yang tidak terbiasa dengan musiknya siap menikmatinya.

Musisi jazz NC Merilis Album Melalui Label Rekaman Legendaris
Berita

Musisi jazz NC Merilis Album Melalui Label Rekaman Legendaris

Musisi jazz NC Merilis Album Melalui Label Rekaman Legendaris, Dalam hal jazz, label legendaris Blue Note telah lama mewakili puncak bentuk musik, mengeluarkan album dari orang-orang seperti John Coltrane, Miles Davis, Herbie Hancock dan banyak ikon jazz lainnya.

Menurut freddycole.com Awal tahun ini, komposer dan pemain perkusi yang berbasis di Wilmington, Joe Chambers — yang telah bermain dan merekam dengan Davis, Hancock, Dizzy Gillespie, Chick Corea, dan banyak lainnya selama hampir 60 tahun kariernya — merilis albumnya sendiri untuk dunia. -label Catatan Biru yang terkenal.

“Samba de Maracatu” direkam tahun lalu di daerah Wilmington dengan musisi jazz Carolina Utara, mungkin menjadi produk Port City pertama dengan koneksi Blue Note langsung.

Album, yang diproduksi dan dimainkan oleh Chambers, menampilkan lagu asli (“Circles,” judul lagu) dan interpretasi yang diatur oleh Chambers dari komposisi jazz yang ada oleh Horace Silver (“Ecaroh”), Bobby Hutcherson (“Visions”) dan lainnya. “Samba de Maracatu” dengan mudah memadukan gaya jazz tradisional dengan campuran ritme Kuba, Afrika, dan khususnya Brasil yang dieksplorasi Chambers pada drum, vibraphone, dan instrumen lainnya.

Baca Juga : Penampilan Freddy Cole di Festival Jazz Chicago

Judul lagu album memiliki hampir 100.000 tampilan di YouTube.

Untuk Chambers, 79 — dia pindah dari New York ke Wilmington pada 2008 untuk menjadi Profesor Jazz Terhormat Thomas S. Kenan di Departemen Musik UNCW, posisi di mana dia pensiun pada 2013 — kembalinya ke Blue Note adalah sesuatu yang penuh momen lingkaran.

Ketika dia pindah ke New York pada tahun 1963, “Saya didorong, segera, ke dalam aktivitas Blue Note,” kata Chambers selama wawancara telepon. “Itu adalah sesuatu yang baru saja terjadi. Saya cukup sibuk merekam dengan orang-orang di tahun 60-an,” termasuk artis jazz progresif dan dihormati seperti Wayne Shorter, Freddie Hubbard dan Joe Henderson.

Dia sangat sibuk, bahkan, ketika Blue Note memintanya untuk merekam album sebagai pemimpin band di akhir 1960-an, dia menolak labelnya.

“Tidak ada bisnis sama sekali,” kata Chambers sambil tertawa kecil. “Saya selalu mengatakan bahwa saya diberi spasi, yang memang saya, spasi. Tapi saya sangat sibuk merekam dan bermain dan tur dengan band dan lainnya, dan saya mengatakan bahwa saya belum siap untuk melakukannya.”

Bukannya keputusan itu akan terbukti mematikan bagi karirnya, tepatnya, karena Chambers akan terus bermain dan merekam dengan yang terbaik dari yang terbaik dalam bisnis jazz, termasuk tugas dengan ansambel perkusi pemecah batas Max Roach, M’Boom.

Dia juga merekam album solo untuk label lain, termasuk Blue Note pada tahun 1998, membuat debut solonya untuk label dengan “Mirrors.”

Namun, Chambers mengatakan, sejarahnya dengan Blue Note memainkan peran besar dalam keinginannya untuk kembali lebih dari 50 tahun setelah pertama kali bermain dengan label, yang sekarang menjadi bagian dari konglomerat Universal Music Group dan menampilkan artis nama seperti Norah Jones. .

“Sangat berarti” untuk kembali, katanya.

Pada tahun 2019, setelah situs web UDiscoverMusic membuat artikel tentang pekerjaan Chambers dengan Blue Note, produser Don Was, yang mengepalai label, mengetahui cerita tersebut dan memberi Chambers lampu hijau untuk album baru.

Rencana awal adalah untuk merekam di New York dengan musisi New York, dan Chambers pergi ke kota pada bulan Februari 2020 untuk berlatih dalam persiapan untuk tanggal studio pada bulan Maret tahun itu.

“Kemudian pandemi melanda,” kata Chambers. “Aku keluar, sungguh, tepat pada waktunya. Saya meninggalkan kota tepat sebelum pandemi mengambil alih.”

“Saya pasti tidak akan kembali ke New York,” tambahnya. “Jadi saya memberi tahu mereka bahwa saya akan melakukannya di sini di North Carolina.”

Chambers meminta bassis Steve Haines, seorang profesor Universitas North Carolina di Greensboro yang pertama kali bertemu Chambers di New York, dan pianis Wilmington (dan dokter kulit yang berpraktik) Brad Merritt, yang disebut Chambers sebagai “pemain neraka.”

“Samba de Maracatu” direkam oleh JK Loftin Wilmington di Mike’s Music Studios di Rocky Point dan di The Cape Fear Studio di Wilmington.

Apa yang mencolok dari album ini adalah kerumitannya yang mudah, dengan Chambers menggerakkan aksi dengan drumnya, dan meletakkan melodi mengilap di vibraphone.

“Saya masih seorang pemain perkusi,” kata Chambers. “Tapi orang lupa, vibraphone itu perkusi. Vibraphone dan marimba.”

Dia tidak melakukan fusion, tepatnya, tapi dia menggabungkan elemen musik yang berbeda dari sepanjang karirnya. Dalam pengertian itu, ini adalah album yang luas. Pengaturan standar Chambers Jazz “You and the Night and the Music” dan “Never Let Me Go” – yang terakhir dibuat terkenal oleh Nat King Cole, dan di sini menampilkan vokal dari penyanyi New Orleans Stephanie Jordan – adalah anggukan untuk bentuk pertengahan abad ke-20 jazz. Lagu hip-hop “New York State of Mind Rain” (yang memadukan hit hip-hop Nas tahun 1994 “NY State of Mind” dengan “Mind Rain” milik Chambers sendiri) mungkin melihat ke masa depan.

Trek lainnya adalah eksplorasi ritmis dari jenis yang menurut Chambers dia kagumi “sejak saya masih kecil. Hal tentang aspek ritmik dari apa yang saya lakukan, saya selalu condong ke arah ritme sinkretis” yang memadukan tradisi musik Kuba, Afrika, Brasil, dan negara-negara lain. “Ini berayun lebih keras dari apa pun.”

Chambers mengatakan dia khawatir tentang masa depan jazz, sebagian karena betapa musik telah terkonsentrasi di kalangan akademis.

“Jazz telah menjadi seperti bagian museum dalam arti tertentu,” katanya. “Sekolahnya bagus, tentu saja, tetapi Anda tidak bisa benar-benar belajar bermain jazz di sekolah. Dan saya mengajar di sekolah.”

Baca Juga : Reverend Gary Davis: Pemandu Visioner Tanpa Penglihatan

Namun, ada tanda-tanda kehidupan. Film Pixar 2020 “Soul” adalah film populer dengan alur cerita yang digerakkan oleh jazz, dan Chambers mengatakan dia melihat janji pada pemain seperti pemain saksofon Wilmington Benny Hill, yang “pemain hebat. Dia perlu didengar, ”kata Chambers. “Dia bisa berada di New York.”

Adapun Chambers, dia menantikan beberapa tanggal Eropa yang telah dia rencanakan pada tahun 2022. Dia juga sudah lama ingin memainkan konser di Thalian Hall di Wilmington, sebuah kota yang disebut Chambers sebagai rumah selama lebih dari satu dekade sekarang.

“Apa yang menahanku di sini? Pajak properti, ”kata Chambers sambil tertawa. “Ini situasi perumahan. Tapi itu benar-benar tempat yang bagus untuk ditinggali.”

Penampilan Freddy Cole di Festival Jazz Chicago
Berita

Penampilan Freddy Cole di Festival Jazz Chicago

Penampilan Freddy Cole di Festival Jazz Chicago, Saat Anda hampir berusia 88 tahun dan bermain piano di kursi roda, dibutuhkan keberanian untuk menampilkan sebuah pertunjukan. Namun, itulah yang dilakukan penyanyi-pianis pemberani Freddy Cole dengan bakatnya pada Kamis malam di Pritzker Pavilion di Millennium Park, yang membuat Festival Jazz Chicago tahunan ke-41 menjadi emosional yang pertama.

Meskipun festival secara resmi dimulai akhir pekan lalu dengan serangkaian Konser Lingkungan, Paviliun Pritzker dianggap sebagai acara utama, dengan kerumunan besar yang hadir pada Kamis malam – meskipun ada peringatan badai yang (untungnya) tidak pernah terwujud. Yang terjadi justru malam yang nyaman dalam pembuatan musik yang berakar pada sejarah jazz Chicago yang panjang dan indah.

Baca Juga : Legenda jazz Freddy Cole Membawakan Pertunjukan Energik ke Gateway Playhouse

Cole, tentu saja, adalah adik dari legenda jazz Nat King Cole, yang meninggal pada 1965 pada usia 45 tahun. Jadi pertunjukan Freddy Cole merupakan penghormatan kepada saudara kandungnya yang lebih terkenal, yang merayakan seratus tahun dunia tahun ini.

Tidak mengherankan, bagian yang paling berpengaruh dari set, yang menutup perayaan Kamis malam, adalah traversal dari beberapa hits Nat King Cole, masing-masing membangkitkan era lama dalam pop Amerika yang diwarnai jazz. Segera setelah Freddy Cole memulai alunan “Straighten Up and Fly Right,” desahan manis pengakuan menyapu penonton, saat pendengar mungkin menyimpulkan bahwa mereka akan mendengar penghormatan kepada seorang master jazz yang memulai karirnya di Chicago.

Freddy Cole menyanyikan golden oldie dengan ciri khas kemudahan dan keanggunan, diiringi duet fashion oleh putranya Lionel Cole. Kombinasi dari suara reedy Freddy Cole dan bariton chesty Lionel Cole menghasilkan eufoni yang paling menarik, diiringi oleh pianisme keperakan Freddy Cole, karya gitar Randy Napoleon yang apik, dan backbeat yang melengking dari anggota band lainnya.

Kemudian Freddy Cole beralih ke “Sweet Lorraine,” lagu klasik Nat King Cole lainnya, tampil di sini sebagai nocturne yang lembut dan indah dengan tempo swing medium-slow. Meskipun Cole yang lebih muda selalu berusaha untuk terdengar lebih seperti dirinya sendiri daripada orang lain, tidak sulit untuk mendeteksi gema dari suara beludru Nat King Cole dan ungkapan lagu pidato.

Dan meskipun benar bahwa Freddy Cole telah memulai setnya dengan cara yang agak tidak bersuara, dia mendapatkan momentum dengan setiap lagunya, menunjukkan bobot vokal yang lebih besar di “Mona Lisa” dan kualitas bercerita di “Nature Boy” – keduanya diidentifikasikan secara universal dengan Nat King Cole.

Baca Juga : Berlatih Ragtime Fingerpicking dengan Gaya Reverend Gary Davis

Pada saat Freddy Cole mengayunkan lagu “On the South Side of Chicago,” sebuah karya khas untuknya, dia telah sampai pada sesuatu yang hampir menangis penuh. Liriknya – merayakan era ketika South Side menghasilkan bintang-bintang jazz masa depan seperti Dinah Washington, Joe Williams, Johnny Hartman, Dorothy Donegan, dan banyak lagi – menarik respons riuh penonton. Dan ketika Cole menyanyikan baris penting dari lagu itu, “Saya masih bisa mendengar Von Freeman tua bertiup,” tidak ada keraguan bahwa Cole telah memberi Chicago satu malam untuk diingat.

Malam Pritzker Pavilion dimulai dengan drummer-bandleader Chicago Mike Reed mempersembahkan “The City Was Yellow,” sebuah proyek yang merayakan komposisi yang ditulis di sini antara 1980 dan 2010 (dan didokumentasikan dalam buku yang baru diterbitkan dengan nama yang sama).

Harapan Reed bahwa karya-karya ini pada akhirnya dapat menjadi standar yang dipertunjukkan secara luas di klub-klub Chicago dan ruang konser mungkin sedikit idealis, mengingat kerumitan dan keistimewaan karya tersebut. Tetapi nilai mereka tidak salah lagi dalam pertunjukan oleh Reed dan pemeran instrumentalis virtuoso yang telah menulis banyak repertoar.

Keahlian seruling menderu yang ditawarkan Nicole Mitchell dalam “Wheatgrass”, pemain saksofon tenor tenor magisterial Ari Brown diproduksi dalam “Rahsaan di Serengeti,” bagian paduan suara terompet cerdik dari “Selamat Pagi” bassis Matt Ulery dan karya ansambel yang ribut dalam “Nairobi Transit” karya Geof Bradfield menunjuk ke kedalaman panggung jazz Chicago masa lalu, sekarang dan, satu harapan, masa depan.

Legenda jazz Freddy Cole Membawakan Pertunjukan Energik ke Gateway Playhouse
Berita

Legenda jazz Freddy Cole Membawakan Pertunjukan Energik ke Gateway Playhouse

Legenda jazz Freddy Cole Membawakan Pertunjukan Energik ke Gateway Playhouse, Bahkan setelah karir yang membentang delapan dekade — itu benar, 80 tahun — Freddy Cole masih menantikan pekerjaan berikutnya. Itu, katanya, yang membuatnya terus maju dari satu pertunjukan ke pertunjukan berikutnya.

Musik adalah sumber awet mudanya.

Tetapi pianis jazz berusia 86 tahun, penyanyi dan adik dari mendiang vokalis dan pianis jazz legendaris Nat King Cole tidak dapat menjelaskan mengapa musik tampaknya memberikan semangat muda dalam dirinya.

Baca Juga : Freddy Cole Penyanyi Jazz Pria Paling Jenius dan Ekspresif di Generasinya

“Tidak lebih dari saya dapat memberitahu Anda perbedaan antara A-flat dan B-flat,” katanya, meskipun jika dia tidak dapat membedakan keduanya, itu membuat Anda bertanya-tanya apa yang dia pelajari ketika dia menghadiri acara bergengsi. Sekolah Musik Juilliard di New York.

Setelah pelatihan kelasnya, Cole mengambil tindakannya di tempatnya, yaitu bermain di belakang beberapa musisi paling dihormati untuk keluar dari era jazz tahun 1950-an, seperti Benny Golson dan Earl Bostic.

Freddy Cole mengklaim bahwa dia selalu belajar sesuatu tentang musik, yang mungkin menjelaskan mengapa, saat dia menuju dekade kesembilan dalam bisnis, dia benar-benar tidak terlalu memikirkan kapan dia akan memutuskan untuk berhenti pada bisnis dari mana dia dan pendengarnya mendapatkan begitu banyak kesenangan.

“Setiap hari Anda mendengarkan musik, Anda belajar sesuatu yang baru,” jelasnya. “Itulah bagian yang indah dari menjadi seorang musisi dan berada di sekitar musik, terutama musik jazz.”

Lagi pula, Cole bahkan tidak tahu dia punya pilihan karier. Di antara orang tuanya dan saudara-saudara lamanya — ditambah teman-teman musik mereka — dia benar-benar dikelilingi oleh musik sejak dia dilahirkan.

“Kurasa aku tidak pernah benar-benar memikirkannya. Saya tidak pernah benar-benar membedakan melakukannya atau tidak karena saya sudah bermain piano sejak saya berusia 5 tahun,” katanya. “Saya selalu terlibat dengan musik. Saya hanya cukup beruntung untuk (sukses) terjadi pada saya.”

Karena saudara Nat 12 tahun lebih tua darinya, Freddy memiliki pengaruh bawaan dari salah satu suara terbesar di zamannya.

“Semua orang belajar dari Nat,” katanya. “Dia begitu banyak hal untuk begitu banyak orang dan dia masih hari ini. Orang-orang masih mendengarnya setiap hari dan mungkin bahkan tidak menyadarinya.”

Freddy Cole bukanlah salah satu artis yang melampaui sambutannya di atas panggung atau di studio rekaman karena dia tidak mau mengakui bahwa usia telah menguasainya. Dia bukan seniman yang melupakan salah satu aturan utama bisnis: tahu kapan harus turun.

Jika ada, alat vokalnya telah meningkat selama bertahun-tahun dan menua seperti anggur berkualitas yang tidak berkurang sedikit pun. Ketika “New York Times” mengulas acara Anda dan menggambarkan Anda sebagai “penyanyi jazz pria paling dewasa ekspresif dari generasinya, jika bukan yang terbaik,” itu adalah uang di bank.

Dan kemungkinan mengapa Cole berada di urutan teratas dalam daftar pemain yang ingin ditampilkan oleh South Jersey Jazz Society.

Cole tampil 19:30 Sabtu, 24 Maret, di Gateway Playhouse yang intim di Somers Point.

Musik adalah penyeimbang kehidupan yang hebat, Cole percaya. Tidak peduli seberapa buruk hal-hal secara pribadi atau profesional, musik selalu menjadi cara untuk melarikan diri dari kelemahan hidup.

“Itu salah satu hal yang keponakan saya (almarhum penyanyi pop dan R&B Natalie Cole) dan saya bicarakan sebelum dia meninggal,” kata Cole. “Kami berada di rumah sakit (sebelum dia meninggal) dan dia berkata ketika Anda mencapai panggung (panggung), Anda melupakan semua penyakit yang ada pada Anda. Karena begitu Anda mulai memainkan musik, segala sesuatu yang lain menjadi sekunder. Musik mengambil alih dunia Anda. Dan dia benar.”

Berjalan melalui Galeri Utama Averitt Center dan Anda mungkin mendengar lagu-lagu cinta jazz dilantunkan yang agak mengingatkan pada mendiang Nat King Cole. Hanya suara ini yang membangkitkan nuansa gerah dari beludru hitam. Freddy Cole adalah adik mendiang Nat dan memiliki klaim ketenarannya sendiri.

Dia akan tampil malam ini pukul 7:30 di Emma Kelly Theatre.

Stuart Broomer menulis, “Freddy Cole adalah impian seorang penulis lagu, mampu memberikan kepribadiannya yang berbeda pada sebuah lagu sambil tetap setia pada lirik dan melodinya. Dia mengelilingi sebuah lagu dengan kehadiran suaranya yang hangat, tetapi dalam cahaya yang bernafas itu, dia mampu mengubah nada paling halus, dari ironi hingga kepuasan yang waspada dan rasa kehilangan yang paling menyedihkan. ”

Penggemar jazz dan romantisme telah menikmati musisi yang berasal dari keluarga musik terkenal ini selama beberapa dekade.
“Saya mulai bermain piano pada usia lima atau enam tahun,” kata Cole. “Musik ada di sekitarku.”

Di rumah masa mudanya di Chicago, pengunjung termasuk Duke Ellington, Count Basie, dan Lionel Hampton. Dia juga memuji Billy Eckstine sebagai pengaruh besar.

“Dia adalah penghibur yang fantastis,” kata Cole. “Saya belajar banyak dari hanya menonton dan berada di dekatnya.”

Sementara Cole dididik dalam instruksi musik di Juilliard School of Music, New England Conservatory of Music dan kemudian menghabiskan beberapa bulan di jalan sebagai anggota band Earl Bostic yang juga termasuk Johnny Coles dan Benny Golson, Dia adalah anggota Georgia Music Hall of Fame, mendapatkan nominasi untuk Jazz Vocalist of the Year, dinamai Steinway Artist Roster, dan dilantik ke Oklahoma Jazz Hall of Fame.

Penduduk Atlanta sejak 1972, Cole saat ini memimpin sebuah band yang terdiri dari dirinya sendiri, gitaris Randy Napoleon, drummer Curtis Boyd dan bassis Elias Bailey yang secara teratur melakukan tur ke AS, Eropa, Timur Jauh, dan Amerika Selatan. Cole telah menjadi artis rekaman sejak 1952, ketika single pertamanya, “The Joke’s on Me,” dirilis pada label yang berbasis di Chicago.

Cole merekam beberapa album untuk perusahaan Eropa dan Inggris selama tahun 1970-an yang membantunya mengembangkan pengikut setia di luar negeri. Cole percaya bahwa menjadi favorit internasional membuatnya “memperluas ruang lingkup saya sedikit.” Dia mengembangkan aksi stand-up, hubungan yang lebih baik dengan penonton, dan belajar menyanyi dalam bahasa lain.

Baca Juga : Pendeta Gary Davis, Pengkhotbah Jalanan Dengan Bernyanyi

“Itu membuat saya lebih menjadi seorang performer,” katanya. “Saya belajar menyanyi dalam bahasa lain. Saya belajar bagaimana menjadi pemain, bukan hanya penyanyi atau pemain piano.”

Tiket dapat dibeli dengan menelepon 912-212-ARTS atau dengan mengunjungi Box Office di Emma Kelly Theatre. Tiket kursi dewasa yang dipesan adalah $27 dan tiket remaja adalah $10. Staf, fakultas, dan mahasiswa di Ogeechee Technical College dapat menerima diskon 15 persen. Juga, kelompok dewasa 10 orang atau lebih dapat menerima diskon 15 persen.

1 2 3